Composing in milliseconds (en español al final)

•March 20, 2014 • Leave a Comment

Emiliano Lasalvia WPP Sports

INDIVIDUAL-DEPORTE-004

(English version with the very necessary help of my friend Barry Milyovsky)

“The prize means for me that I went from a total unknown to a lesser unknown, no more than that”, minimized Emiliano Lasalvia, a former student of astronomy who grew up in Bariloche, Argentina, and started to do football (soccer) photos in 2002 and who this year won the first place of the World Press Photo (WPP) in the Sports Action category with a photo about a Polo player falling.
“Prizes arrive after work, not before. The quiet moment I am now having makes me think of things in a different way”, commented Emiliano who appeared very happy for all the warm congratulations from his colleagues.
The truth is that it was not the first polo player falling photo that he did but it was the fist he sent to the well known international competition. The image was made for La Nacion newspaper where Emiliano is a permanent collaborator with a Canon EOS 1 D Mark IV camera that each three shots generates a photo that looks like an old process of color separation layers. “That is how it is to work in Argentina”, he commented, reckoning that there was also a luck factor because the winning photo could be an error, impossible to publish.
-How is the state of photojournalism in Argentina?
-Lamentably we are camera operators more than photojournalists, is very difficult to practice a profession in a country where the communication media give no importance to who generates the images, where newspapers like Perfil dismissed colleagues and where instead of thinking of the image as a new dimension of the discourse the image is sought to literally legitimize the text.
-What do you think about the information that between 8 and 9 percent of the preselected images by the WPP jury ended being disqualified because there was some kind of manipulation?
-It is very hard for me to understand a photographer that alters the images, it is as though he lost the sense of the task. It is, maybe, a certain need to be legitimate at any price instead of giving attention to the thing that one does. It is a kind of trap of this system. I guess that the photographers that alter or suppress things need to legitimize in a perverse system to work more or to reach some work where they want or need instead of thinking about what is genuine in photography.
-What do you mean by perverse? What is the origin of this perversity?
-It is originated in the media and with photographers who want the legitimation of the awards. The sensibility of the photographer is quickly replaced by the RAW process, the suppression of objects and other superficial alterations that start a run to a sensationalist photo, and yield to the request of this system is what appears to me perverse. I saw many more colleagues concerned by what they will do with the photos and not by what they will tell with them.
-How much has sports photography changed since you began?
-The constant improvement in the technology makes obtaining a standard sports photo more accessible, that the only thing necessary to obtain this kind of photo is the spending power to have the adequate equipment. The issue is to give a turn more to that and try to find an aesthetic and the composition inside an unrepeatable and ethereal moment. Time before I worried to catch the action of what was succeeding, now I have the tranquility to search the place from where I want to catch the action that will occur.
-Is sports photography an oasis in relation to other categories of photojournalism? I mean that is there still money to send photographers to do some traveling and there are concrete assignments?
-Is it where one can make a difference with respect to an amateur or someone that is not trained in this way. The media continue justifying the assignments to sports events. It is a possibility to go out of the every day routine, I would not call that an oasis, I would call it a possibility.
-To go out of the routine in what sense?
-To go out of that literality that we talked about before.
Although successful in the world of sports photography, Emiliano confessed to be more interested “in documentation, in photos more aesthetic or poetic made during some kind of journalistic event”. He practices too with enthusiasm his abilities to make and edit video.
A curious fact is that he is a close friend and grew up together another Argentinian awarded by the WPP in 2001, Carlos Barría. Both studied in the same photojournalism school of the Argentine Association of Photojournalists, ARGRA by his name in spanish (Asociación de Reporteros Gráficos de Argentina). The same place where were formed another argentinians that received the same award, Rodrigo Abd and Walter Astrada.


Componiendo en milisegundos

“El premio significa para mi que pasé de ser un total desconocido a un poco menos desconocido, no mucho más que eso”, minimizó Emiliano Lasalvia, el ex estudiante de astronomía proveniente de Bariloche, Argentina, que empezó a hacer fotos de fútbol en 2002 y que este año ganó el primer premio del World Press Photo (WPP) en la categoría de Deportes de Acción con una foto de una caída de un jugador de polo. “Los premios llegan después del trabajo, no antes. La tranquilidad en la que estoy ahora hace que uno piense las cosas de manera distinta”, comentó Emiliano quien se mostró feliz por la cantidad de muestras de cariño de parte de sus colegas.
Lo cierto es que no es la primera foto de una caída en un juego de polo que hizo pero sí es la primera que mandó al certamen reconocido internacionalmente. La imagen fue hecha para el diario La Nación donde Emiliano es colaborador permanente con una cámara Canon EOS 1 D Mark IV que cada tres disparos genera una foto que parece algo relacionado a los viejos procesos de separación de colores. “Eso es trabajar en Argentina”, comentó, reconociendo que también hubo un factor de suerte porque la foto ganadora podría haber sido la del error, imposible de publicar.
-Cuál es el estado del fotoperiodismo en Argentina?
-Lamentablemente somos operadores de cámara más que fotoperiodistas, es muy difícil ejercer la profesión en un país donde los medios de comunicación no le dan importancia al que genera imágenes, donde diarios como Perfil despide a colegas y en donde en vez de pensar en la imagen como una redimensión del discurso se busca legitimar literalmente el texto con la imagen.
-Qué opinás sobre el dato de que entre un 8 y 9 por ciento de las imágenes preseleccionadas por el jurado del WPP para ser premiadas terminaron siendo descalificadas porque había algún tipo de manipulación?
-Me cuesta entender mucho a un fotógrafo que altera las imágenes, es como perder el sentido del oficio. Es, quizá, cierta necesidad de legitimarse a cualquier precio en vez de prestarle atención a lo que uno hace. Es una especie de trampa de este sistema. Supongo que los fotógrafos que alteran o suprimen cosas necesitan legitimarse en un sistema perverso para trabajar más o para conseguir trabajo donde quieren o necesitan en vez de pensar en lo genuino de la fotografía.
-A que te referís con perverso? Dónde se origina esa perversidad?
-Es originada en los medios y fotógrafos que quieren la legitimación de los premios. La sensibilidad del fotógrafo es rápidamente reemplazada por el proceso de los archivos RAW, la supresión de objetos y de otras alteraciones superficiales que inician una carrera hacia la foto efectista. Y ceder ante el pedido del sistema es lo que me parece perverso. Veo a muchos colegas más preocupados en qué es lo que van a hacer con las fotos y no en qué es lo que van a decir con ellas.
-Cambió mucho la fotografía de deportes desde tus comienzos?
-La superación constante en la tecnología hace que tener una foto standard de deportes sea mas accesible, que lo único que separa para obtener ese tipo de foto es el poder adquisitivo para tener el equipo adecuado. El tema es dar una vuelta más a eso y tratar de buscar la estética y la composición dentro de un momento irrepetible y etéreo. Antes me preocupaba por tener la acción que estaba sucediendo, ahora tengo la tranquilidad para buscar el lugar desde donde quiero hacer la acción que va a suceder.
-La fotografía de deportes es un oasis respecto a otras categorías del fotoperiodismo? me refiero a que sigue habiendo dinero para enviar fotógrafos a hacer viajes y son coberturas concretas.
-Es donde uno puede hacer una diferencia respecto a un aficionado o alguien que no está preparado de esa manera. Los medios siguen justificando las coberturas de eventos deportivos. Es una posibilidad de salir de lo cotidiano, no lo llamaría oasis sino una posibilidad.
-Para salir de lo cotidiano en qué sentido?
-Para salir de esa literalidad de la que hablaba antes.
Aunque exitoso en el rubro de deportes, Emiliano confiesa estar mas interesado “en lo documental, en fotos más estéticas o poéticas hechas durante algún tipo de evento periodístico”. También practica con entusiasmo sus habilidad para realizar y editar video.
Un dato curioso es que es amigo y se crió junto otro argentino premiado por el WPP en 2001, Carlos Barría. Ambos, estudiaron en el escuela de fotoperiodismo de la Asociación de Reporteros Gráficos de Argentina (ARGRA), donde también se formaron otros argentinos galardonados por el mismo premio, Rodrigo Abd y Walter Astrada.

Photo Emiliano Lasalvia

Photo Emiliano Lasalvia

foto Emiliano Lasalvia

foto Emiliano Lasalvia

Foto Emiliano Lasalvia

Foto Emiliano Lasalvia

foto Emiliano Lasalvia

foto Emiliano Lasalvia

Discovering the obvious (en español al final)

•February 20, 2014 • Leave a Comment

“Paint your town and you will paint the world”, as L. Tolstoi said, is a sentence that describes pretty well the method of the Dutch photographer Peter de Krom whose ability to find humans, and sometimes animals, during ambiguous moments results in photos of ordinary moments that look extraordinary. I like the freshness and sense of humor of the best of his work so I contacted him and he kindly agreed to do this interview (Note: I recommend to enlarge the photos):

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-Please, can you present yourself, what is your occupation? Where you live? Do you have a formal education or did you just start to take pictures? How did you come to get hooked on photography and with street photography?
-I live and work in the small whimsical town of Hoek van Holland, the Netherlands. Here I create my own photographic series that tell small stories about the Dutch culture. A common theme in my work is peculiar human behavior, which I like to exploit with a biological and anthropological interest. My work can seem distant, but I like to explore my subjects as if I’m discovering something completely new, even though it’s very common. This way my subjects hopefully tell most of the story themselves and not just me or the framing.
I work as a photographer for the Dutch newspaper ‘NRC Next’ and ‘NRC Handelsblad’. I started there as an intern while I was studying documentary photography at the St. Joost academy for fine arts. After my graduation in 2010 I got the opportunity to keep working for both newspapers on a regular basis. Besides this I work for some other (commercial) clients as well.
Just like most people I got into photography by accident. I bought a camera out of boredom once and eventually discovered a way to tell stories. First you photograph your own dog and some architecture from all angles, but slowly I realized that I was also able to document a certain way of looking to the society around me. Because I wanted to learn more about documentary photography I went to Art School. There I found out that I could actually turn my way of thinking into images.

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-Why do you make street photography? What motivates you?
-I don’t consider myself a street photographer. I just depend on the streets to come up with subjects I want to explore further. Street Photography is a way for me to make sketches for bigger works. I see it as a tool, not as a goal on itself. Almost all the work from my ‘Sketchbook’ (on Flickr) has been shot in Hoek van Holland, my hometown, where I live just to make work. When I’m visiting the city I don’t really think about bringing my camera. So in the essence I guess I’m not like most street photographers you see with camera’s around there neck most of the time.

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-How do you deal with your job time?
-I work on assignments about three days a week. I use the other days to make my own work, which I then publish and also generates some income.
-I see you work on series like documental essays. Why? Do you work on several projects at the same time? Are they obsessions or are they chosen by chance?
-The series I make sometimes come by chance, but mostly it’s indeed (also) a obsession. It gives you the opportunity to work with narratives and tell stories in exciting ways. It pushes you to think about your work from the perspective of the viewer, wondering how they go from image to image and what this does to their imagination.
I’m currently working on four projects at the same time. Some of them take years, others just a few months. I’m always working on something. Sometimes together with a writer.
With my series I’m currently discovering my hometown all over again. ‘Hoek van Holland’ (Hook of Holland) is a strange place where almost everything that’s typical Dutch is being pushed into a small corner. It’s a wonderful cocktail of typical Dutch ingredients. With the use of series I can tell a different story about this town (and the entire country) every time.

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-In most of your photos there is a lot of space, why do you do this? Is it a technical matter? For example you use a fixed wide angle lens and have no time to go close.
-Indeed there is a lot of space in my photo’s, but I just see it as relevant context. I allow room for other elements that can matter and give a sense of neutrality. It also brings some peace and serenity that makes you less present as a photographer. I believe viewers feel more like an audience this way, like if they are seeing this themselves. This is why I love taking photographs with the 35mm prime lens. It’s almost equivalent to the human eye.
-Do you have favorites places or moments to find potential images?
-Almost every weekend I take my moped to drive to different places in my town. I visit the beach, the pier, the boulevard and some other crowded places to take some shots. During the weekdays I go on foot, walking around in the normal residential areas, hoping to find everyday situations.

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-When you miss a shot, how you deal with it?
-I try to forget them as soon as possible. Thanks for bringing them up :)
-What kind of equipment you use? What is inside of your usual bag? (not only photographic things). I mean, maybe you hear music or have some amulet.
-I use a 5D Mark III and the 35mm L USM or 24-70mm L II USM lens. In some cases there’s also a 580EXII flash on top. Other stuff I take a long is a notebook, business cards and a good mood. I never go out cranky, because I have noticed photography just makes it worse.
-How is your process of editing?
-There’s not much editing in my images. I just load them in Adobe Lightroom and do some basic adjustments. I don’t really like it when photographers overuse the options as a ‘effect’ instead as a instrument. I even get bored with black and white pretty fast too, unless it’s really necessary for the image. As soon as a image is black and white I feel tricked and looking at a effect instead of a real life situation.
-And how is your process of editing but in the sense of picking the best photos?
Choosing photos for series is the most difficult thing. You kill some darlings along the way every time. What helps for me is using flickr as a sketchbook . The strange thing is that I look at my pictures differently as soon as they are ‘online‘. Somehow the picture get’s more real. It’s ‘out there’ for others to see, making you more critical. It’s something psychological that works for me.
Working to the final selection of a series I always ask friends, my intern or students from art school for help. Sometimes I also ask my mom, because she has the sober view on photographs that you’re losing in time as a photographer.
It’s also a good thing to let you’re images rest for a while. Like months, giving yourself the opportunity to forget about the moment you took the photo. Otherwise emotions/feelings from that moment can get in the way of being objective to your own shots.
-Do you make prints? When?
-I mostly make prints for exhibitions. But when I’m working on a big series with a lot of material to choose from I make small prints and look for a big room to do some editing with others.

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-What you consider are the main difficulties to do the kind of photography you do?
-What makes it difficult right now is the solitude. Because I just live in Hoek van Holland for the photography I miss out on a lot of stuff friends are doing in the cities. I’m always right in the middle of my photography with just a few other distractions.
Money and enough assignments is the other thing. I have to be very productive to be noticed enough and keep selling my work. In these days, with so many talented photographers, you are forgotten by a mouse click.
-I read that you joined a collective. Why? What are your common objectives?
-The collective ECHIE was started by Caspar Claassen. We joined forces together with Regina van der Kloet and Peter Gerritsen because we had a feeling that our kind of photography was not recognized by the big public in the Netherlands, even though Street Photography has never been so popular.
-Why do you think it is important get more recognition for this kinds of photos, what are they showing that is not in the usual world of fine art photos?
-I wouldn’t call our photos Fine Art, but we notice that by combining our strengths, our images can have a much stronger expression, telling stories about our shared surroundings. The great amount of street photography, especially in the Netherlands from amateurs, sometimes dominates over the quality that is out there. Working as a collective gives you the opportunity to rise above this.

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Descubriendo lo obvio

“Pinta tu aldea y pintarás el mundo”, como León Tolstoi dijo, es una frase que describe bastante bien el método del fotógrafo holandés Peter de Krom cuya habilidad para encontrar humanos, y a veces animales, durante momentos ambiguos resulta en fotos de momentos ordinarios que se ven como extraordinarios. Me gusta la frescura y el sentido de humor de lo mejor de su trabajo así es que lo contacté y él accedió amablemente a esta entrevista (Nota: recomiendo ampliar las fotos):
-Por favor, podrías presentarte, cuál es tu ocupación, dónde vivís, tuviste una educación formal o sólo empezaste a hacer fotos? Cómo te enganchaste con la fotografía y en particular con la fotografía callejera?
-Vivo y trabajo en un pequeño y caprichoso pueblo de Hoek van Holland, Holanda. Aquí creo mis series fotográficas que cuentan pequeñas historias sobre la cultura holandesa. Un tema común en mi trabajo es la conducta humana, la cual me gusta explotar con intereses biológicos y antropológicos. Mi trabajo puede parecer distante pero me gusta explorar mis sujetos como si estuviera descubriendo algo completamente nuevo, aunque sea algo muy común. De esta forma espero que mis sujetos cuenten la historia por ellos mismos y no por mí o mi encuadre.
Trabajo como fotógrafo para el diario holandés NRC Next y NRC Handelsblad. Empecé allí como interno mientras estaba estudiando fotografía documental en la Academia de Bellas Artes St. Joost. Después de mi graduación en 2010 tuve la oportunidad de seguir trabajando para ambos periódicos. Aparte de esto trabajo para otros clientes comerciales también.
Como a mucha gente me metí en la fotografía por accidente. Compré una cámara para salir del aburrimiento y eventualmente descubrí una forma de contar historias. Primero hacés fotos de tu perro y algo de arquitectura desde algunos ángulos pero lentamente me di cuenta de que también podía documentar cierta forma de mirar la sociedad que me rodea. Como quise aprender mas sobre fotografía documental fui a la escuela de arte. Allí encontré que podía cambiar mi modo pensar sobre las imágenes.
-Por qué haces fotografía callejera, qué te motiva?
-No me considero un fotógrafo callejero. Es sólo que dependo de las calles para alcanzar a los sujetos que quiero explorar. La fotografía callejera es para mí una forma de tomar apuntes para trabajos más grandes. La veo como una herramienta, no un fin en sí mismo. Casi toto el trabajo de mi libro de notas (en Flickr) ha sido fotografiado en Hoek van Holland, mi ciudad natal, donde vivo para hacer mi trabajo. Cuando estoy visitando la ciudad realmente no pienso en llevar mi cámara. Así que en esencia supongo que no soy como la mayoría de los fotógrafos callejeros que ves con una cámara en su cuello la mayor parte del tiempo.
-Cómo te las arreglas con tu tiempo de trabajo?
-Trabajo en encargos alrededor de tres días a la semana. Uso los días restantes para mi propio trabajo los cuales publico luego y también generan algunos ingresos.
-Ví tu trabajo en series documentales. Por qué? Trabajás en varios proyectos al mismo tiempo? Son en base a obsesiones o los elegís de casualidad?
-Las series que hago a veces vienen por casualidad, pero la mayoría son sobre todo una obsesión. Te da la oportunidad de trabajar con narraciones y contar historias en formas excitantes. Te fuerza a pensar sobre tu trabajo desde la perspectiva del espectador, preguntándote como irán de una imagen a la otra y qué hace esto con su imaginación.
Estoy actualmente trabajando en cuatro proyectos al mismo tiempo. Algunos toman años, otros sólo unos pocos meses. Siempre estoy trabajando en algo. A veces junto a un escritor.
Con mis series estoy descubriendo nuevamente mi ciudad natal. Hoek van Holland (Gancho de Holanda) es un extraño lugar donde casi todo lo que es típicamente holandés es arrinconado. Es un maravilloso cocktail de típicos ingredientes holandeses. Con el uso de las series puedo contar una historia diferente sobre este pueblo (y el país entero) cada vez.
-En la mayoría de tus fotos hay un montón de espacio, por qué lo hacés? es una cuestión técnica? por ejemplo, usás un gran angular y no tenés tiempo de acercarte.
-De hecho hay mucho espacio en mis fotos pero yo sólo veo eso como contexto relevante. Dejo espacio para otros elementos que pueden importar y dar un sentido de neutralidad. Eso también genera algo de paz y serenidad que te hace menos presente como fotógrafo. Creo que los espectadores se sienten más como audiencia de esta forma, como si lo estuvieran viendo ellos mismos. Esa es la razón porque me encanta hacer fotos con un lente 35 mm fijo. Es casi equivalente al ojo humano.
-Tenés lugares o momentos favoritos para encontrar potenciales imágenes?
-Casi todos los fines de semana manejo mi ciclomotor a diferentes lugares del pueblo. Visito la playa, el muelle, el bulevar y algún otro multitudinario lugar para tirar algunas fotos. Durante los días de la semana voy a pie, camino alrededor de áreas residenciales normales esperando encontrar situaciones cotidianas.
-Cuándo perdés una foto, cuál es tu actitud?
-Trato de olvidar eso lo más rápido posible. Gracias por sacar a relucir el tema :)
-Qué tipo de equipo usás? Qué hay dentro de tu bolsa usualmente? (no sólo cosas fotográficas). Quiero decir, quizá escuchás música o tenés algún amuleto.
-Uso una 5D Mark III y un 35 mm L USM o un 24-70 mm L II USM. En algunos casos uso arriba de la cámara un flash 580EXII. Otras cosas que llevo es un libreta de notas, tarjetas de negocios y buen humor. Nunca salgo cuando estoy irritable porque me di cuenta que la fotografía sólo lo empeora.
-Cómo es tu proceso de edición?
-No edito mucho mis imágenes. Sólo las cargo en el Adobe Lightroom y hago algunos básicos ajustes. Realmente no me gusta cuando los fotógrafos exageran las opciones para obtener un efecto en lugar de usarlo como instrumento. Incluso me aburro con el blanco y negro bastante rápido también, a menos que sea realmente necesario para la imagen. Tan pronto como una imagen es en blanco y negro me siento engañado y veo un efecto en vez de una situación real.
-Y cómo es tu proceso de edición pero en el sentido de elegir tus mejores fotos?
-Elegir fotos para una serie es la cosa más difícil. Matas algunas fotos queridas cada vez que lo hacés. Lo que me ayuda es usar Flickr como una libreta de apuntes . Lo extraño es que miro mis fotos de otra forma apenas están online. De alguna forma las fotos se vuelven más reales. Están ahí afuera para que la vean otros, lo que te hace más crítico. Es algo psicológico que funciona para mí.
En el trabajo de la selección final siempre pregunto a mis amigos, mis aprendices o estudiantes de la escuela de arte en busca de ayuda. Algunas veces también le pregunto a mi madre porque tiene una mirada sobria que vos vas perdiendo en tu tiempo de fotógrafo.
Es algo útil también dejar tus imágenes descansar por un rato. Meses, dándote la oportunidad de olvidarte del momento en que tomaste la foto. De otra manera las emociones del momento se pueden meter en el camino de ser objetivo de tus propias fotos.
-Hacés copias? Cuándo?
-Mayormente para exhibiciones. Pero cuando estoy trabajando en una serie grande con un montón de material a elegir hago pequeñas copias y busco un cuarto grande donde editar con la ayuda de otros.
-Cuáles considerás son las principales dificultades para hacer el tipo de foto que hacés?
-Lo que lo hace difícil es la soledad. Como vivo en Hoek van Holland por la fotografía me pierdo un montón de cosas que mis amigos hacen en otras ciudades. Siempre estoy en el medio de mi fotografía con sólo unas pocas distracciones.
El dinero y tener los suficientes pedidos es otra cosa. Tengo que ser muy productivo para ser tenido en cuenta y mantener en venta mi trabajo. En estos días, con tantos talentosos fotógrafos, sos olvidado con un click del ratón.
-Leí que te uniste a un colectivo. Por qué? Cuáles son sus objetivos comunes?
-El colectivo ECHIE fue iniciado por Caspar Claassen. Unimos fuerzas con Regina van der Kloet and Peter Gerritsen porque sentimos que nuestra clase de fotografía no es reconocida por el gran público en Holanda, aún cuando la fotografía callejera nunca ha sido tan popular.
-Por qué pensás que es importante tener más reconocimiento por esta clase de fotos, que están mostrando que no está en el mundo de la fotografía de arte?
-No llamaría fotos de arte a las nuestras, pero nos dimos cuenta que combinando nuestros esfuerzos nuestras imágenes pueden tener una expresión más fuerte, compartir historias sobre los alrededores que compartimos. La gran cantidad de fotografía callejera, especialmente en Holanda de parte de amateurs, algunas veces domina la calidad que hay ahí afuera. Trabajando como un colectivo nos da la oportunidad de elevarnos sobre eso.

Nine percent

•February 14, 2014 • 1 Comment

“As a photographer, I reacted with real horror and considerable pain because some of the changes were materially trivial but they were ethically significant,” said Mr. Knight, who is a founding member of VII photo agency.
This comment published in the blog Lens was made over the information that more of the nine percent of the finalists images of the last Word Press Photo were disqualified because of removing information in post-processing. A thing that I can´t understand taken in account all the discussions thru all the last decade when digital took the ride of how we work. And more with all the publicity that had lately the AP pullitzer prize photographer issue when he confessed remove a camera in the down left part of one of his photos. The impressive about this nine percent is that is related only to the best of the best of the total of the photos.
I see that as a good change that sadly is a requeriment in this times. I like a lot too that the first prize was for a photo that is not about sorrow. News and life are a lot more than bad hot news.

ACTUALIZATION: Accord the British Journal of Photography was the eight percent

Nueve por ciento

“Como fotógrafo reaccioné con un horror real y considerable dolor porque algunos de los cambios eran materialmente triviales pero significativos desde el punto de vista ético”, dijo Gary Knight, quien es miembro fundador de la agencia de fotos VII.
Este comentario publicado en el blog Lens fue hecho sobre la información de que más del nueve porciento de las imágenes finalistas del último World Press Photo fueron descalificadas porque se removió información en post proceso. Una cosa que no puedo entender tomando en cuenta todas las discusiones a traves de la última década cuando lo digital tomó las riendas de como trabajamos. Y más con toda la publicidad que tuvo últimamente el asunto del fotógrafo premio Pullitzer de AP cuando confesó borrar una cámara a la izquierda de una de sus fotos. Lo impresionante sobre este nueve porciento es que está relacionado sólo a lo mejor de lo mejor del total de las fotos.
Veo que es un buen cambio que tristemente es un requerimiento en estos tiempos. Me gusta mucho también que el primer premio fue para una foto que no es sobre algo triste. Las noticias y la vida son mucho más que malas noticias de actualidad.

ACTUALIZACIÓN: De acuerdo al British Journal of Photography fue el ocho porciento

The quiet outsider. Jason Eskenazi interview

•December 23, 2013 • Leave a Comment

Page 33 of Jason Eskenazi book, Wonderland: A fairy tale of the Soviet monolith

Page 33 of Jason Eskenazi book, Wonderland: A fairy tale of the Soviet monolith

(This interview was made by email and edited by Hernan Zenteno with the help of Barry Milyovsky)
[EN ESPAÑOL AL FINAL]

“Fear motivates me most! The fear of not using the time on earth to bring something beautiful into the world,” says Jason Eskenazi, a photographer whose book Wonderland: A fairy tale of the Soviet monolith won the Best Use Books category on the Pictures of the Year 2009 award.

“I became a photographer to see things for myself. I’ve always liked the Francis Bacon quote Dorothea Lange had on her darkroom door: ‘The contemplation of things as they are without substitution or imposture without error or confusion is in itself a nobler thing than a whole harvest of invention.’ “ In order to see the world by himself he had to confront the habitual sickness he suffered when made some trips with his family and at the age of 29, after working in darkrooms and interning at a photo agency in New York, then for a local Queens newspaper and assisting photographers on assignment, Eskenazi began what he calls “another era of my life: the world traveler.”
-Why the need to go abroad to shoot?
-Some photographers work well in their back yard. But I knew that traveling would make me the person I wanted to be: a person that saw the world. Photography gave me the reason. Its silent language suited me. I don’t speak other languages well. I spoke Russian well enough to travel. But I also traveled with friends and sometimes fixers.
The faithful companion in this new beginning was a camera that he still uses. “Phillip Jones Griffiths, who I knew together with Donna Ferrato during a internship in an agency, gave me a never used OM-1 (Olympus). Out of the blue Phillip called me and said: come over. We walked into his office and he opened the bottom drawer of an old file cabinet. He reached his hand into a pile of old camera parts and brought out a new OM-1 from the 70′s. It was still in its plastic and never used. When I opened the back the foam, that had disintegrated, fell out. ‘Merry Christmas,’ he said. I took the camera to get it resealed and have used it ever since 1998,” recalls Eskenazi. The camera was just the body, he bought three lenses, 28, 50 and 35 that are used most often.
In this new stage he deepened his knowledge about how make more dynamic and layered photos adding at least two points of interest and searched interrogative images. He says that movies are an important source of learning. “I love silent films, documentaries and fiction. Bela Tarr is wonderful. Terrence Malick, I made a list in Dog Food 1.”
Like some of his compositions Jason has many layers. He created this magazine with some friends accord a fellow feeling with cynics. The Cynics Manifesto is a very motivating list that refutes the materialism, the fame and the distractions of marketing. Eskenazi was also one of the founding editors of Swipe magazine that was created by guards at the Metropolitan Museum of Art who are artists apart from their everyday jobs.
“I’ve always funded my projects with my photography. My photography gave me money to travel to make more photos,” Eskenazi explained. But in 2008 Jason took a guard job at the Met for the medical benefits. This meant a pause for his own photos for nearly two years because he was exhausted. But he obtained the way to stay in touch with his interests when the exhibit The Americans came to the museum. He requested a transfer to this gallery and he put a lot of attention in the photos of Robert Frank and the sequence. He started to ask some photographers -famous or not- which was their favorite photo. The 270 answers ended in a book, By the Glow of the Jukebox: The Americans list.

Contact sheet of Jason Eskenazi film with one of the selected photos that ended in the book Wonderland

Contact sheet of Jason Eskenazi film with one of the selected photos that ended in the book Wonderland

“Editing -explains Jason- is the most important process to making a book. Sequence is critical. You must invent a secret story for yourself. You can’t edit on a computer. You must put it on the wall and leave it there for days, weeks, months. The wall will speak to you. At the end of your process you should feel something, without logic. Mystery is everything. Music helps one edit. A book sequence is like a musical score. How does one note or photo get to the next. The space between notes or photos is important. How do you jump from one to the next, like a synapse. The more space or the bigger the jump the more poetic will be your sequence.”
-You chose not work mainly for the media to maintain your fresh approach. In spite of that I believe that in some way you must have noticed the changes in this kind of business. Did the new technologies and economic crisis affect you?
-I’ve never really changed my approach. I go where it interests me. I read books and see movies. A project comes to mind…….then I spend a long time doing it. Part of the reason it takes so long is because I do not have an end game. I hope the project takes me somewhere. …Somewhere into a mystery! I don’t work for media anymore so the changing technology doesn’t affect me much. I have nothing against technology. I like the iPhone work by my colleagues. I’m not a purist. There is simply no reason to stop shooting film. But I think after this trilogy that I’m working on I may stop shooting film. I’m tired of airports and X-rays. But I won’t buy a fancy digital. Maybe just an iPhone …..or a small digital. I usually develop and contact my own film and make test prints. When I have a grant sometimes others develop and contact for me. I made some contacts today. But I don’t have running water in my darkroom so it’s a pain in the ass. I use a standard process of developing. I’d rather the photo give the emotion and not the technique. I usually wait a long time to develop and look at the film. Sometimes more than a year. I want to forget the images and see them anew when I contact them. I use typical film/Tri-X.
-What are you doing now?
-I’m working on 2 books of a trilogy. Maybe it’s called the “Black Garden trilogy” or maybe that’s too pretentious…….Wonderland is the first book. Trilogies are a way to circle back to the beginning. It’s a journey. I don’t know where I’m going. I’m inspired by Giovanni di Paulo, Paul Auster, and Kieślowski , among others. Making contacts now.
-After all these years traveling, what is your home?
-Home is always Queens, though I can leave and never return again. It’s where my mother lives. And where I have memories of my father. Queens also represents the place where I may have been stuck for my whole life if I didn’t have photography as a magic carpet to transport me in the world, into history, into myself.

Sleeping couple, Kirov Region.

Sleeping couple, Kirov Region.

El tranquilo outsider. Entrevista a Jason Eskenazi
(Esta entrevista fue hecha por email y editada por Hernan Zenteno con la ayuda de Barry Milyovsky)

“El miedo es lo que más me motiva! El miedo de no usar el tiempo en la tierra para traer algo hermoso al mundo, “ dice Jason Eskenazi, un fotógrafo cuyo libro Wonderland: A fairy tale of the Soviet monolith ganó en la categoría mejor uso del libro en el certamen Las fotos del año de 2009.
“Me hice fotógrafo para ver las cosas por mi mismo. Siempre me gustó la cita de Francis Bacon que Dorothea Lange tenía en la puerta de su cuarto oscuro: ‘La contemplación de las cosas como son sin sustitución o impostura sin error o confusión es en sí mismo algo más noble que una completa cosecha de invenciones’. Para ver el mundo por sí mismo tuvo que confrontar sus habituales nauseas que sufría cuando hacía viajes con su familia y a la edad de 29, después de trabajar en cuartos oscuros y como interno en una agencia de fotos de Nueva York, luego para una periódico local de Queens y asistiendo fotógrafos en sus encargos, Eskenazi empezó lo que él llama “otra era en mi vida: el viajero mundial”.
-Por qué la necesidad de viajar al exterior para hacer fotos?
-Algunos fotógrafos trabajan bien en su patio trasero. Pero supe que el viajar me haría la persona que buscaba ser: una persona que vió el mundo. La fotografía me dio la razón. Es un lenguaje silencioso que encaja conmigo. No hablo otros lenguajes bien. Hablo ruso lo bastante bien para viajar. Pero también viajé con amigos y algunas veces con ayudantes locales.
Su fiel compañera en este nuevo comienzo fue una cámara que aún usa. “Phillip Jones Griffiths, a quien conocí con Donna Ferrato durante un internado en una agencia, me dio una flamante OM-1 (Olympus). De la nada Phillip me llamó y fuimos a su oficina donde abrió el último cajón de un viejo archivador. Buscó en una pila de viejas partes de cámaras y sacó una nueva OM-1 de los 70´s. Estaba todavía con los plásticos sin usar. Cuando abrí el respaldo la goma espuma, que se había desintegrado, cayó. ´Feliz navidad´, dijo. Hice resellar la cámara y la he usado entonces desde 1998”, recuerda Eskenazi. Él compró luego tres lentes: un 28, un 50 y el 35 que es el que usa con mayor frecuencia.
En esta nueva etapa profundizó su conocimiento sobre como hacer fotos más dinámicas y con capas agregando al menos dos puntos de interés y buscó imágenes interrogativas. El dice que las películas son una fuente importante de aprendizaje. “Me encantan las películas mudas, documentales y ficción. Bela Tarr es maravilloso. Terrence Malick, hice una lista en Dog Food 1”.
Como algunas de sus composiciónes Jason tiene muchas capas. Creó esta revista con algunos amigos acorde al sentimiento en común con los cínicos. El Manifiesto de los cínicos es una lista muy motivadora que rechaza el materialismo, la fama y las distracciones del marketing (add link). Eskenazi fue también uno de los editores fundadores de la revista Swipe que fue creada por guardias del Museo Metropolitano de Arte quienes son artistas aparte de su trabajo diario.
“Siempre pagué mis proyectos con mi fotografía. Mis fotos me dan el dinero para trabajar y hacer más fotos”, explica Eskenazi. Pero en 2008 Jason tomó un trabajo de guardia en el Museo Metropolitano para obtener la cobertura médica. Esto significó una pausa para su propias fotos por cerca de dos años porque estaba exhausto. Pero se las arregló para estar en contacto con sus intereses cuando la exhibición Los Americanos vino al museo. Pidió que lo transfirieran a esta galería y puso mucha atención en las fotos de Robert Frank y su secuencia. Empezó a preguntar a algunos fotógrafos -famosos y no- cuál era su foto favorita. Las 270 respuestas terminaron en un libro, By the Glow of the Jukebox: The Americans list.
“Editar -explica Jason- es el proceso más importante para hacer un libro. La secuencia es crítica. Tenés que inventar una historia secreta para tí mismo. No podés editar en una computadora. Tenés que ponerlas en una pared y dejarlas ahí por días, semanas, meses. La pared te va a hablar. Al fina del proceso debes sentir algo, sin lógica. El misterio es todo. La música ayuda a uno a editar. Una secuencia es como una partitura musical. Cuál nota o foto sigue a la otra. El espacio entre las notas of fotos es importante. Como salta de una a la otra, como una sinopsis. Cuanto mas espacio o más grande el salto, más poética será la secuencia¨.
-Vos elegiste no trabajar principalmente para los medios para mantener fresca tu mirada. A pesar de eso creo que debés haver notado los cambios en esta clase de negocio. Las nuevas tecnologías y la crisis te afectaron?
-Realmente nunca cambié mi manera de trabajar. Voy a donde me interesa. Leo libros y veo películas. Un proyecto viene a mi mente… luego paso un montón de tiempo haciéndolo. Parte de la razón por la que me toma tanto tiempo es porque no tengo un juego final. Espero que el proyecto me lleve a algún lado… hacia algún misterio! No trabajo más para medios así que los cambios tecnológicos no me afectan mucho. No tengo nada en contra de la tecnología. Me gustan las fotos hechas con Iphone de mis colegas. No soy un purista. Simplemente no hay razón para dejar de hacer fotos con película. Pero creo que después de la trilogía en la que estoy trabajando quizá pare de tirar film. Estoy cansado de los rayos X en los aeropuertos. Pero no quiero una ostentosa digital. Quizá sólo un iPhone… o alguna digital pequeña. Usualmente revelo y hago los contacto y las copias de prueba yo mismo. Cuando tengo alguna beca o premio algunas veces otros revelan o hacen los contactos por mí. Hice algunos hoy. Pero no tengo agua corriente en mi cuarto oscuro así es que es un dolor en el culo. Uso los procesos standards de revelado. Prefiero que la foto tenga emoción y no técnica. Usualmente espero un largo tiempo para revelar y ver lo que hay en la película. Algunas veces más de una año. Quiero olvidar las imágenes y verlas de nuevo cuando hago los contactos. Uso película típica, Tri-X.
-Qué estás haciendo ahora?
-Estoy trabajando en dos libros de la trilogía. Quizá pueda llamarse Black Garden trilogía (la trilogía del jardín oscuro/negro) o quizá eso sea demasiado pretencioso… Wonderland (El país de las maravillas) es el primer libro. Las trilogías son una forma de cerrar el círculo a su comienzo. Es un viaje. No sé a dónde estoy yendo. Me inspiran Giovanni di Paulo, Paul Auster y Kieslowski, entre otros. Estoy haciendo contactos ahora.
-Después de todos estos años viajando, cuál es tu hogar?
-Mi hogar siempre es Queens, aunque puedo irme y nunca volver. Es donde mi madre vive. Y donde tengo recuerdos de mi padre. Queens también representa el lugar donde pude haber quedado estancado por toda mi vida si no hubiera tenido la fotografía como una alfombra mágica que me transportó al mundo, hacia la historia, hacia mi mismo.

For art’s sake – David Vestal 1924-2013

•December 9, 2013 • 1 Comment

Vestal_no found title

(en Español al final)
I knew he died 5 december 2013 in Bethlehem, Connecticut. The presentation that was used to show some of his photos in the Photography Annual 1962 magazine always made me want to know more about Vestal. “He fits none of the established categories of photography; he is not a ‘working photojournalist,’ nor a ‘studio pro,’ nor an ‘illustrator.’ He is, quiet simply, a serious photographer deeply concerned with the nature of the medium in which he works, and with the way the eye perceives the world around it.”
He trusted that “there is more in any subject than can ever be projected onto it”. Maybe that is the reason why he chose to photograph simple and mundane things. I never knew why there are no more about him in the web. He was present here and there during my beginning in photography because he wrote articles for several magazines and he left a pair of books whose titles are very revealing about how much he loves and respect the craft on photography.
Apart of this side as artisan he was a recognized teacher. He learned from another excellent teacher, Sid Grossman.
“As grumpy old men go, he was the kindest, the gentlest and the wisest”, wrote his old friend Bill Pierce.
This photos are rescued from very old magazines. I would like to know more if someone can share something and I would really like read the article that Vestal wrote about Gene Smith in 1966 for Popular Photography.

Por amor al arte – David Vestal 1924-2013

Supe que murió el 5 de diciembre de 2013 en Bethlehem, Connecticut. La presentación que fue usada para mostrar algunas de sus fotos en el Anuario Fotográfico 1962 siempre me hizo querer saber más sobre Vestal. “El no encaja en ninguna de las categorías establecidas de la fotografía; no es un ‘fotoperiodista activo’, tampoco un ‘profesional del estudio’ ni un ‘ilustrador’. Él es, tranquilamente, un fotógrafo serio profundamente comprometido con la naturaleza del medio en el cual trabaja y con la forma en que los ojos perciben el mundo alrededor”.
El confiaba que “hay mas en un tema de lo que puede ser proyectado en él”. Quizá esa es la razón de por qué el eligió fotografiar cosas simples y mundanas. Nunca supe por qué no hay mas sobre él en la web. Estuve presente aquí y allá durante mis comienzos en la fotografía porque escribió artículos para varias revistas y dejó un par de libros cuyos títulos son muy reveladores sobre cuanto amaba y respetaba el arte (oficio) en la fotografía.
Aparte de este lado como artesano fue un reconocido maestro. El aprendió de otro excelente maestro, Sid Grossman.
“Gruñon, como se ponen los hombres con la edad, el era el más amable, apacible y sabio”, escribió su viejo amigo Bill Pierce.
Estas fotos fueron rescatadas de antigüas revistas. Me gustaría saber más si alguno puede compartir algo y realmente me gustaría leer el artículo que Vestal escribió sobre Eugene Smith para Popular Photography en 1966.

Vestal_Twenty second street  rain

Vestal_Still Life

Vestal_Corea_Maine

Alchemy in the b&w lab (en español al final)

•October 13, 2013 • Leave a Comment
Old developer bath after mercury processing of a negative to intensify it.

Old developer bath after mercury processing of a negative to intensify it.

In this era of virtual film, photos in the cyberspace and social networks, put my hands to work with real film is still magic for me. I appreciate the craft, the magic of use one chemical and not other, like if I would be an alchemist. And the fact to experiment without know certainly what I will have at the end, there are a lot of things that could go wrong during the middle steps. One have to take risks.
I was preparing my last Kodak D 23 developer, this is because where I live is impossible to find metol, the developer agent. This soup was used a lot by Ansel Adams and by the Life magazine laboratory. It gives you fine grain, good tones and detail without block the highlights. There are a lot of experiments mentioned in others articles but D 23 diluted 1:1 is the most stable of the options and, cause the dilution, the developer have less dissolving effect in the borders of the grain. I used a short second bath with borax to let the shadows develop a little more. At the end I liked the negative but find it a bit weak. So I take from the shelf an old intensifier that, as his name reveal, make the exposed part of the negative more intense. Then, you must develop it again in a sodium sulfite solution or an old developer to get a more accentuate effect or micro contrast. Finally, I did a experiment putting the negative in an old solution of selenium to assure the permanence of the effect. I don’t know if this last will work cause I could´t find books about that. Is an experiment. All that work to get a nice negative whose image I share now here, after decoding it in ones and zeroes.

Alquimia en el laboratorio ByN

En esta era de film virtual, fotos en el ciberespacio y redes sociales, poner mis manos a trabajar con película real es aún mágico para mí. Aprecio el oficio, la magia de usar un químico y no otro, como si fuera un alquimista. Y el hecho de experimentar sin saber ciertamente que tendré al final, hay un montón de cosas que pueden salir mal durante los pasos intermedios. Uno tiene que correr riesgos.
Estuve preparando mi último revelador Kodak D 23, eso es porque donde vivo es imposible encontrar metol, el agente revelador. Este preparado fue usado mucho por Ansel Adams y por el laboratorio de la revista Life. Te da grano fino, buenos tonos y detalle sin bloquear las altas luces. Hay un montón de experimentos mencionados en otros artículos pero el D 23 diluído 1:1 es la más estable de las opciones y, debido a la dilución, el revelador tiene menos efecto disolvente en los bordes del grano. Usé un segundo baño corto con borax para dejar a las sombras revelarse un poco más. Al final me gustó el negativo pero lo encontré un poco débil. Así es que tomé de los estantes un viejo intensificador para acentuar un poco el efecto de micro contraste.Finalmente, hice un experimento poniendo el negativo en una vieja solución de selenio para asegurarme la permanencia del efecto. No sé si esto último funcionará porque no pude encontrar libros sobre esto. Es un experimento. Todo ese trabajo para conseguir un negativo cuya imagen comparto ahora aquí, después de decodificarlo en unos y ceros.

Photojournalism in zombieland (en español abajo)

•June 27, 2013 • 1 Comment

Constitucion, circa 2001 Hernan Zenteno © Photo

A specter is haunting the world. The specter of wild capitalism. The owners of traditional printed media are letting the beans counters take decisions about what is dispensable.
“All the papers fired their staff photographers, and bought contracts with the wire agencies and used ‘pick ups’ from PR companies, NGO’s or ‘citizen journalists’ to fill the space. They are never going back to paying for it properly, that is, in a way that a photographer can afford to live and bring up a family on a wage from it,” said Neil Burgess who runs his own picture agency, NB Pictures, which represents 10 photographers, including Simon Norfolk, Dayanita Singh and Sebastião Salgado. Previously Neil was head of Network Photographers and Magnum Photos in New York, and Magnum London, which he helped set up in 1986. He has twice been the Chairman of World Press Photo.
A lot was written about the death of professional photojournalism.
“There is no time for relevance. There is no money for quality. The editors didn’t care, you were just a check off. Check. That job is covered. All of a sudden we are shooting three or four Business Page head shots to every one news assignment. We take pictures of houses on a street for the Real Estate section. And the few news jobs that we cover are mostly press conferences. More head shots rather than go out into the field and photograph the reason for the press conference”, wrote Dick Kraus  while he was employed by Newsday, the 7th largest daily in the U.S. in 1999.
The Kraus quote was made 14 years ago. And the internet effect still wasn’t massively present as now. To summarize how we arrived at the actual scenario I asked John Long, National Press Photographers Association (NPPA) ethics chairman and a professional photojournalist with 35 years of experience:
“I started in 1971 at The Hartford Courant and worked there for 35 years. We are the oldest newspaper in continuous publication in the United States and we were founded in 1764. Circulation in the 70’s and 80’s and 90’s was about 300,000 on Sundays, 215,000 weekdays. Then the classified ads fell off, then the national ads fell off, then local ads fell off, then people started to drop the newspapers and rely on the internet and TV for news. Circulation is now about half what it was. Advertising revenue is way, way down. People use Craig’s List etc. instead of the classifieds and newspapers have had to trim expenses to survive. TV also took our readers and made them viewers. We never learned how to use the internet to make money. We gave content away free and now we are paying for our mistake – no one wants to pay for the newspaper on line.”
Long remembered that, “by the time I retired in 2006, we were totally electronic, we produced fantastic work”. And added: “It was never a case that we did bad work or that the digital revolution caused our photos to be bad. It was a matter of money, or the lack of it actually, in the selling of ads and the selling of subscriptions. People went elsewhere for their news and elsewhere to sell their products. On top of this, newspapers were bought up by organizations interested in merely making money and not in providing a public service. Newspapers will be here but there will be fewer and fewer of them and therefore fewer and fewer photojournalism jobs. This is more a cultural shift than a change in what we do”.
“In Europe and North America the role of the free lance photojournalist has declined while the numbers of people wanting to do it increased”, say Burgess. “The magazines and Newspapers,” Neil continued, “all gave away their content on-line for free and then appeared shocked that no one bought their product.  Nobody believes that advertising on websites is ever going to be the same revenue source that advertising in magazines and newspaper was. Until a new business model emerges the journals will not be paying for photo-journalism as they did in the past.  I’m not sure it will emerge in my lifetime!”.
According to Burgess, who practically wrote the epitaph of photojournalism in 2010, “people are still doing photo documentary and finding other ways of funding it.  I just don’t think we should call it photojournalism, because it is not funded by, nor produced with the professional standards normally associated with journalism. You can work for a wire agency.  You can work for an NGO.  You can drive taxis and do interesting documentary work, but don’t expect the press to pay you for it. You have to find some other support:  make and sell books or films, or prints.”
David Simon was a police reporter at the Baltimore Sun. “I got out of journalism because some sons of bitches bought my newspaper and it stopped being fun,” says Simon. Then, he created The Wire, the successful TV serie. He discussed some weeks ago with a blog reader about the changes of new era of internet media.
“Yes, in the past, circulation didn’t support the paper — it was a loss leader. Advertising revenues supported the paper. Why? Because of the costs of circulation: Newsprint, presses, pressmen, trucks, gas, etc. It cost money to get a newspaper to a doorstep, regardless of how much coin you could charge for the product. But now? Take a long breath and think about it”, wrote Simon. “Now, for the first time in the history of prose journalism, every paid subscription to a newspaper operating with a paywall is pure profit, save for the static costs of maintaining the digital website. The world has flipped and slowly, belatedly, the newspaper industry is realizing it. In fact, the reason the industry leaders failed to see it for too long was that they were wedded to the model in which advertising with the god of revenue and circulation was the loss leader. But that isn’t true digitally”, explain Simon. “Now the future of journalism lies in paywalls and a paid circulation base. Now digital advertising can’t command sufficient rates to support first-rate journalism. (You’re wrong about that, too. Digital advertising on free webpages can only command pennies on the dollar of the print ad rates that once sustained journalism.) But digital circulation can sustain such an enterprise. And is doing so: The New York Times goes to a paywall and now has 700,000 paid subscriptions, and on the strength of that figure is being upgraded by Wall Street analysts. Next quarter they will be back in the black for the first time in many a year”, said the author of The Wire.
For Simon wouldn’t be strange that some media joint forces to offer packages. “It will get to the point where you’ll sign up with a consortium for digital access to your choice of various national, regional and local media. As with your cable bill. You want the NYT and the local regional paper and SI.com or ESPN and the WSJ, check those boxes and send the monthly bill. Sound crazy? Don’t see why it would be. We all once got television for free. Eventually, they ran the cable into our homes and now we spend $40 or $50 or $100 a month for television. And that revenue supports a multitude of programming that didn’t exist a couple generations ago. Same thing can happen with journalism”, explain Simon.
But the reality is that while big media are trying to understand the new ways of get incomes, the newspapers in England only “re-hire a few people on short term contracts, but no pension, holidays, equipment, insurance etc., and usually for a day rate that is the same as it was 25 years ago”, explain Burgess who emphasizes: “This is not an exaggeration, it is all true.”
-So, your agency turned to something like a stock or archive pictures? no more assignments?
-We are still doing some stock sale and some assignments, probably 25% of what I did five or six years ago.  Now I concentrate more on books and exhibition projects and selling prints, which was always part of my work but now the more interesting and profitable part. But, I’m still here and my photographers are still working.  Check out a project we are funding through kickstarter, replied Burgess.

This brings me to the recent news that Emphasis, the crowd funded website that helped 60 photographers finance their personal projects, is trying to finance itself.
According to James Estrin, who manages the blog Lens, the Luceo agency is  a very good rebuttal to those who believe photojournalism is dead.
I tried to contact both, Luceo members and Mr. Estrin to have some comments about this issue but I have not replies yet. More. Is difficult to find a clear example of an alternative. Most of the cases I know mentioned as substitutes other tasks like education (workshops), publish books, sell prints or, as Jason Eskenazi did, work as a guard in a museum to get the money but as Burgess said before, there are few participation in the investments for coverage from the media side. Time will say if the owners of the media will change their politic. Meanwhile appears that some publications are like zombies. They move slowly, they have no soul and are hungry for brains.

Fotoperiodismo en tierra de zombies

Un espectro frecuenta al mundo. El espectro del capitalismo salvaje. Los dueños de los medios impresos tradicionales están dejando que los contadores de porotos tomen las decisiones de lo que es prescindible.
“Todos los diarios despidieron a sus staff de fotógrafos. Contrataron a agencias de cable y usan fotos de las compañías de Relaciones Públicas, ONG o ‘periodistas ciudadanos’ para llenar espacio. Nunca van a volver atrás para pagar correctamente, esto es, de forma que un fotógrafo pueda vivir y mantener a una familia”, dijo Neil Burgess quien maneja su propia agencia,  NB Pictures, la que representa a 10 fotógrafos incluidos Simon Norkfolk, Dayanita Singh y Sebastião Salgado. Previamente Neil estuvo a cargo de Network Photographers y de Magnum Photos en Nueva York y Magnum Londres, la cual el ayudó a formar en 1986. También fue dos veces presidente del World Press Photo.
Mucho fue escrito sobre la muerte del fotoperiodismo profesional.
“No hay tiempo para lo relevante. No hay dinero para la calidad. A los editores no les importa, vos sólo integras una lista a chequear. Chequeado. Ese trabajo esta cubierto. De repente estamos haciendo tres o cuatro páginas de negocios con fotos de caritas (fotos de cabezas) por cada asignación de una noticia. Hacemos fotos de casas para la sección inmobiliaria. Y los pocos nuevos trabajos que cubrimos son mayormente conferencias de prensa. Mas caritas o fotos de cabezas parlantes en vez de salir al campo y fotografiar las razones de esa conferencia de prensa”, escribió Dick Kraus mientras era empleado de Newsday, el séptimo diario en los Estados Unidos en 1999.
La cita de Kraus fue hecha hace 14 años. Y el efecto internet aún no era masivo como ahora. Para resumir como llegamos al actual escenario le pregunté a John Long, presidente de ética de la National Press Photographers Association (NPPA) y fotoperiodista profesional con 35 años de experiencia: “Empecé en 1971 en el Hartford Courant y trabajé allí por 35 años. Somos el diario más antiguo en continua publicación de los Estados Unidos, fue fundado en 1764. La circulación en los 70´s, 80´s y 90´s fue alrededor de los 300 mil ejemplares los domingos y 215 mil los días de semana. Luego los clasificados cayeron, los avisos nacionales cayeron, los avisos locales cayeron. La gente empezó a dejar los diarios y a confiar en la internet y la TV para las noticias. La circulación es ahora la mitad de lo que era. Los ingresos por publicidad cayeron bien abajo. La gente usa Craig´s List (un sitio de internet), etc. en lugar de los clasificados y los diarios han tenido que recortar gastos para sobrevivir. La TV también capturó a nuestros lectores y los hizo espectadores. Nunca aprendimos como usar internet para hacer dinero. Entregamos los contenidos gratis y ahora estamos pagando nuestro error, nadie quiere pagar por leer el diario en línea (online)¨.
Long recordó que por el tiempo que se retiró en el 2006 estaban “totalmente digitalizados, producíamos un trabajo fantástico”. Y agregó: “Nunca fue el caso que hicimos un mal trabajo o que la revolución digital hizo que nuestras fotos fueran malas. Fue una cuestión de dinero, o la falta de él en realidad, en la venta de avisos o de suscripciones. La gente se fue a otro lado para buscar sus noticias y vender sus productos. Y en la cima de esto los diarios fueron comprados por organizaciones interesadas en meramente hacer dinero y no en proveer un servicio público. Los periódicos permanecerán pero habrá cada vez menos y por lo tanto menos trabajo para fotoperiodistas. Este es más un cambio cultural que un cambio en lo que hacemos”.
“En europa y norte ámerica el rol del fotoperiodista freelance ha declinado mientras que los números de la gente que quiere hacerlo aumentaron”, dice Burgess. “Las revistas y periódicos entregaron todos sus contenidos gratuitamente y luego se sorprendieron de que ninguno comprara su producto”, continúa. Nadie cree que los avisos en los sitios web vaya a ser la misma fuente de ingresos que los avisos de revistas y diarios. Hasta que emerja un nuevo modelo de negocio los diarios no pagarán a los fotoperiodistas como lo  hicieron en el pasado. No estoy seguro de que esto ocurra durante mi vida!”, expresó el titular de NBPictures.
De acuerdo a Burgess, quien en 2010 prácticamente escribió el epitafio del fotoperiodismo, “la gente aún hace fotos documentales y encuentra otras formas de financiar esos trabajos. Sólo que no creo que podamos llamar a eso fotoperiodismo porque no está financiado ni producido con los estándares profesionales  normalmente asociados con el periodismo. Podés trabajar para una agencia de cables. Podés trabajar para una ONG. Podés manejar taxis y hacer un trabajo documental interesante, pero no esperes que la prensa te pague por eso. Vas a tener que buscar otro apoyo: hacer y vender libros o películas o copias”.
David Simon era un reportero de policiales en el Baltimore Sun. “Me fui del periodismo porque unos hijos de puta compraron mi periódico y dejó de ser divertido”, dice Simon. Luego, creó The Wire, la exitosa serie de TV. Él discutió hace unas semanas con un lector de su blog sobre los cambios de la nueva era de los medios en internet.
“Sí, en el pasado la circulación no sostenía a los diarios, era un gasto a pérdida. Los avisos mantenían a los diarios. Por qué? Por el costo de circulación: Rotativas, gráficos, distribución, camiones, combustible, etc. Cuesta dinero hacer llegar el diario a la puerta de las casas independientemente de lo que cobres por el producto. Pero ahora, respirá profundo y pensá”, escribió Simon. “Ahora, por primera vez en la historia del periodismo en prosa cada suscripción al diario operada con una barrera de pago es puro beneficio, salvo por el estático costo de manutención del sitio en red. El mundo a girado y lentamente la industria de los periódicos se está dando cuenta. De hecho, la razón de que los líderes de la industria fallaron fue porque estaban casados con el  modelo en el cual los avisos eran el dios de las ganancias y la circulación la pérdida. Pero eso no es verdad en la era digital”, explica Simon. “Ahora el futuro del periodismo descansa en las barreras de pago y en una base de circulación paga. Ahora los avisos digitales no pueden generar ingresos para sostener periodismo de primera. (Usted está equivocado sobre eso también. Los avisos digitales en páginas de lectura gratuita sólo pueden generar monedas en relación a los avisos en papel que alguna vez sustentaron el periodismo). Pero la circulación digital puede sostener ese tipo de empresa. Y lo está haciendo: El New York Times adoptó la barrera de pagos y ahora tiene 700 mil suscripciones pagas, y la fuerza de esta cifra está siendo actualizada por los analistas de Wall Street. En los próximos meses volverá a ser lo que era en muchos años”, dijo el autor de The Wire.
Para Simon no sería extraño que los medios se unan para ofrecer paquetes. “Vamos a llegar a un punto donde vas a poder firmar con un consorcio para el acceso digital de tu elección para medios nacionales, regionales y locales. Como con tu cuenta de cable. Querés el New York Times con el diario regional y Sport Illustrated y el Wall Street Journal, chequeá las opciones y te enviarán la cuenta. Suena loco? No veo por qué. Todos tuvimos alguna vez televisión gratis. Eventualmente, ellos pusieron el cable en nuestras casas y ahora gastamos 40 o 50 dólares o 100 por mes para ver Tv. Y los ingresos permitieron financiar una multitud de programas que no existían un par de generaciones atrás. Lo mismo puede pasar con el periodismo”, explicó Simon.
Pero la realidad es que mientras los grandes medios están tratando de entender las nuevas formas de generar ingresos, los periódicos ingleses “solo vuelven a contratar poca gente por periodos cortos pero sin pensión, feriados,  equipo, seguro, etc. Y todo por un pago por jornada con valores de hace 25 años”, explica Burgess quien enfatiza: “Esto no es una exageración, es todo verdad”.
-Entonces tu agencia se volvió algo así como un archivo o stock de imágenes, no más asignaciones?
-Todavía vendemos algo de stock y tenemos algunas asignaciones, probablemente el 25 % de lo que hacíamos cinco o seis años atrás. Ahora me concentro más en libros y proyectos para exhibir y vender copias, lo que siempre fue parte de mi trabajo, ahora la parte más interesante y beneficiosa. Pero yo todavia estoy aquí y mis fotógrafos todavía están trabajando. Chequeen el proyecto que estamos financiando a través de Kickstarter, respondió Burgess.

Esto me lleva a la reciente noticia de que Emphasis, el sitio web de financiación colectiva que ayudo a 60 fotógrafos a financiar sus proyectos personales, esta tratando de financiarse a sí mismo.
De acuerdo a James Estrin, quien edita el  blog Lens, la agencia Luceo refuta muy bien a quienes creen que el periodismo a muerto.
Traté de contactar a ambos, a los miembros de Luceo y a Estrin para obtener algunos comentarios sobre este asunto pero no tuve respuestas aún. Es más, es difícil encontrar el claro ejemplo de una alternativa. La mayoría de los casos que conozco mencionan como sustitutos otras tareas como la educación (workshops o talleres de trabajo), publicar libros, vender copias o, como Jason Eskenazi hizo, trabajar como guardia en un museo para conseguir el dinero pero, Burgess lo dijo antes, hay  poca participación en las inversiones para coberturas desde el lado de los medios. El tiempo dirá si sus dueños cambiarán su política. Mientras tanto parece que algunas publicaciones son como zombies. Se mueven lentamente, no tienen alma y están hambrientas de cerebros.

 
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