Risk

“The thing about my work is, nothing is prearranged, prethought, premeditated. In no way was I directing the pictures; they’re just fragments of life as it was being lived. There was no staging. When you set up pictures you’re not at any risk. Reality involves chance and risk and diving for pearls”, Nan Goldin in an interview with Tom Holert (2003) published by American Suburbx

“La cuestión sobre mi trabajo es, nada es pre arreglado, pensado de antemano, premeditado. De ninguna forma yo dirigí las tomas; son sólo fragmentos de vida como fueron vividos. No hubo armado. Cuando armás las fotos no tomás ningún riesgo. La realidad implica chance y riesgo y bucear por perlas”, Nan Goldin en una entrevista con Tom Holert (2003) publicada por American Suburbx

On editing

(texto en español abajo)

“All are good friends but when you get into the Ring they even take your little bench away”, Ringo Bonavena (an argentine boxer 1942-1976).

This kind of feeling is what I have when I am alone editing my own work. After all you are alone as when you were working shooting pictures. The problem is that it is easier to take pictures than it is to edit them. At least for me. You have the impulse to take the photos but editing them are other business. You need to be cold. You need to eliminate doubts. In my own case I ask for help from some people, generally colleagues, but sometimes this can complicate the thing cause the very opposite opinions. A lot of blogs commented that all people have cameras in their phones, and all can be photographers. I think the spot news aspect is lost. Somebody made a very bad photo, but the only photo on the right place and time is the best. But we have too the visual narration, the stories, some themes that need to be told. The media can’t rest only on citizen journalism. There are very good professionals. And they are not only good at shooting, they are good at editing their work. I brazenly asked to some reputed photographers about the process of editing their own work. I have edited the work of others and for me it is easier, the problem is with your own work.
The replies shows that the process of editing is really personal and that there are no magic recipes. For me, It continues being very interesting and productive known how others do they editing.
Hemingway said that what he wrote is like the visible part of an iceberg, you know, the big part are under the water and is no visible. Truman Capote referred about the work he did for In Cold Blood: “I built an oak and reduce it to a seed”. I think that this quotes from literature are very descriptive of the sensation we have when we are editing our photos if we did our job well.
There were some kind excuses from some of the photographers I asked. Some are very busy or have these kinds of questions asked everyday (sorry for imposing this again in your life). A few photographers replied to my questions and I am very very thankful because I know they are expending a lot of valuable time for me, a perfectly unknown person to the rest of the world. I have pasted down here the questions and the replies. Some are not point to point. The photos are linked to the photographer’s website, so everyone can learn something from them through the photos, in addition to the replies. I asked mostly magazine and agency photographers. I would like to get more replies from street photographers, art world protagonists or newspapers photographers. But first come our families and work and this moment of the year are full of both. So maybe I can have a second opportunity with their replies in the future, who knows?
This are my questions

1- What does the editing process mean to you?
2- How do you face your own edit work?
3-What limits you impose to editing your own work?
4-How important is time for you during the editing process?
5-When you feel you need others opinion?
6-How many people (colleagues, family) do you ask for help to make your edit?
7-What is the most difficult part of editing your own work?
8-How do you mix the external opinions and your own?
9-Do you find an end of an edition? When?
10-Can you share the most important tip for the editing process?
11-There are people that investigate a theme and then go to photograph it. And there are other people that shoot first and then made groups of edited work. Do you think are there a difference between this two methods at the time they have to edit their photos? what difference?

William Albert Allard

1- Editing should be a learning process.  By editing out the picture that are not the best you should learn why.

2- I look forward to editing my work.

3- I impose no limits to my editing other than to eliminate the images that simply aren’t good enough.

4- Time is relative.  If you have a lot of work to edit it will take more time probably but not necessarily.  If you’ve done really well in seeing it will take more time to decide the very best.

5- I don’t ask for other opinions.

6- I don’t ask for help from others

7- The whole process is important. There’s no one part that is more or less difficult.

8- I don’t get other opinions.

9 – My edit is over when I’ve made a final selection

10- Learn to be your own toughest critic, don’t depend on other opinions

11- Of course there is a difference between going out with a theme in mind or coming up with some kind of theme based on what you photographed.  It’s two entirely different processes.

Jodi Cobb

1. The editing process is the second-most important part of a photography assignment or project. It is the way to create a narrative or story out of all the disparate photographs. It is just as creative is the photography itself. It is crucial that a photographer show only his or her best work, and a tight edit can create tension, mystery, excitement and energy.

2. I edit in Lightroom, and use a star system. The first edit selects [anything usable, in focus, well composed, etc.] get one star, then the next edit [weeding out duplicates, and choosing between near-frames] gets 2. I give 3 stars to the pictures I will submit to a client for final selection. I give 4 stars to the photographs that will go into stock. And 5 stars to the best of the best. Five stars are reserved for photographs that are the very best, will be in my permanent portfolio, and are the ones I will use for personal work. But it makes it easier to go back and double-check your edit if you keep filtering. And it depends what you are going to do with the photographs. I then make catalog sets of the different kinds of photographs for other possible uses.

3. No limits. 

4.  Time is important. The first edit can be done quickly and immediately. For the final edit, I find that my editing gets better the longer the time after taking the photographs–it cuts out the immediate emotional reactions from the shoot, and lets you react more to the image itself than what you went through to get it. The best pictures tend to stand out better. 

5.  I always need other opinions. I think photographers are not always the best editors of their own work. I need to see how other people–especially experienced photography editors–react. They’ve seen it all, and are honest and forthright in their opinions. Friends and family are less useful for serious editing, although it’s always nice to know what they think. Just don’t base professional decisions on their opinions. 

6. Select your editors carefully. Your family loves you and will love your pictures, too. All of them. Not usually so helpful.

7. Emotions are the most difficult part of editing. One day I love all my photographs, the next day I hate them all. I get emotionally involved with the subjects, which is also difficult to detach from.

8. It is easy to tell when another person’s opinion matches your own, or when you positively respond to it. When you strongly feel they are wrong, then those opinions are wrong for you. But if EVERYONE tells you the same thing, it is generally best to heed those opinions–and you should either embrace or reject that photograph. There is a lot of subjectivity in editing, and you should find an editor that you like to work with, who is honest with you, and whose work you respect and agree with.

9. I used to say that you never really finish a project or story, you just at some point abandon it in despair. But if you feel you are repeating yourself in your pictures, or feel your creativity getting stale, or the project starts to bore you, it is time to move on. Sometimes you only need a couple of photographs, sometimes dozens. The project itself will tell you that. Follow your instincts.

10. Listen to others, but trust yourself. Be open to ideas and suggestions, but pay attention to the source.

11. It depends on the project and its use–is it an assignment for someone else or a personal project? You have to give clients what they need and want, but then surprise them with what you can bring that they never expected.  If it is an assignment, whether commercial or editorial, you must investigate and research in advance. You always need to know what you are looking at, or what you are looking for. But you also must leave room for serendipity. If you are editing for a retrospective or portfolio, that is a different set of criteria. You can group your photographs any way you want, and any way that makes sense. But there must be some thought behind it, some theme or cohesiveness. It can be anything, but it helps to organize the photographs in a way that carries the viewer through the book or project in a way that makes sense to them. Sometimes it is very obvious, but sometimes quite obscure. It doesn’t matter, but it is the foundation that you build on.

John Vink

1- It is an essential second visit to a story, revealing the mistakes, flaws, laziness and other weaknesses of the photographer… It is a period of clarification…

2- With great pleasure and impatience, although the revelation of my flaws and weaknesses, of having made mistakes, of having been lazy can lead to some depressive moments.

3- There are no real limits. The number of pictures in the final edit would be the only one. But if I am lucky and I get an abnormal proportion of good pictures, I am not going to throw those out…

4- I edit very quickly, and now, with digital, as quickly as possible after the takes. It takes me 15 minutes to go through about 150-300 pictures and pick the 4 or 5 which stand out and will be usefull. I extremely rarely have to go back through an edit. The process has changed a little, but not that much, between editing digital and film, becasue the basic principle remains (see #9). What changes is the time (sometimes months with film) between the shoot and the editing. When I was editing film that delay let my mind ‘build’ images I thought I had taken. The disillusion of not finding those images on the contact sheets was so much bigger, and the ensuing depression so much deeper. Maybe that is why I am a happier photographer now with digital…

5-Never. I always was disappointed or disagreed when someone else edited my pictures.

6-No one.

7- Coping with the mistakes I made.

8- That’s the nice thing with not having external opinions: I don’t have to mix… No compromises, except the self-imposed one between form and content.

9- Basically the edit is over after the first time. I might come back to an edit if the usage of the story is on another platform, i.e. when for example I have to do a slideshow of a story which was first intended for something else. But usually the first edit I do is broad enough to cover multiple purposes and then further trimmed down for more specific uses (book, magazine, blog..).

10- See if the graphics/ composition in the picture work well, if the eye is taken to the right spots in the picture and only then check if the picture is relevant to the story. But nevertheless always keep the story in mind. It is really about finding a balance between form (being visually challenging, exciting, innovative, inviting, readable) and content (being relevant, pertinent and possibly clever).

11- I investigate a little before photographing. But not that much, and it really is a fairly superficial investigation. I guess I am more the type of going for it on a general idea and building the story along the way. The ‘discovery’ part is quite motivating.

Rodrigo Abd

The editing process is really important for me. More now, that I am getting older and I have more experience. I used to edit at the end of any project, but now I feel more comfortable to edit as I take pictures. I make a folder and I start throwing the pics that I feel could work. A big folder, so basically I work with that for the final edition.
 For me editing is important because I can think in the narrative of the story. And I love to show that folder not only to photographers, but to my wife, my neighbor, friends, specialists, other journalists, etc. Its amazing the different ideas other people has about your work about a particular image. I nourish all these ideas, but in the end I take the last decision, sometimes in the last minute before sending the work to the AP photo desk.
 Time is very important, because I look that folder as many time I can. And you need time to mature the important ideas that you want to reflect with your work. Its a process were you understand more and more during the development of the story. You also learn about what its more important for you. 
 Also, most of the times, I don’t arrive to a place to develop a photo project with a unique idea of what’s going on there, I learn as taking pictures and interacting with people. Almost every time my first perception of the theme changes a lot after days or months developing the story.
For me, the most difficult decision is when I have to remove good individual  photographs that don’t  add in the best way to the history.
 You know, I am never 100 % happy when I decide to finish a story, I always think that  I need more pictures in order to make a better edition. But I work for a wire service, AP, so my edition, and the dead lines of the editions, are in a way affected or limited by the format that I work. In a way, I am a weird animal inside the agency, because I send a photo story after months of working in it, when most of my colleagues never make a 2 or 3 days story and quickly send it to the wire.
 I think that are different animals regarding the editions.
 You can edit a story that was preconceived from the first moment, even before starting the photographic process in the ground. But you can also photographed a lot in different places and moments and them, sometimes years later, you realize that, unconsciously, you were following an idea and you start editing a different body of work. Those ideas that mature over the time.
 I have no tips really, I am a bad editor, because I have little background, I do not read enough, do not know much about painting, music, visual arts, I am not intellectually qualified to be a good editor.
 Sometimes I have a good idea, a good feeling about the things are important to photograph in the place I am living.
 But probably my tip is to ask so many different people, with different background, about my work. And I absorb the best ideas from the.
 That is my tip.

Acerca de la edición

“Todos son muy amigos pero cuando subís al ring hasta el banquito te sacan¨, Ringo Bonavena (boxeador argentino 1942-1976).

Esa sensación es la que tengo cuando estoy solo editando mi propio trabajo. Después de todo estás solo como cuando hiciste las fotos. El problema es que es más fácil hacer las fotos que editarlas. Al menos para mí. Uno tiene el impulso de tomar las fotos pero editarlas es otro asunto. Necesitas ser frío. Necesitas eliminar dudas. En mi propio caso pido ayuda a otra gente, generalmente colegas, pero algunas veces esto puede complicar la cosa debido a las muy opuestas opiniones. Muchos blogs comentaron que todos tienen cámaras en sus teléfonos y que todos pueden ser fotógrafos. Creo que el aspecto de noticias de actualidad está perdido. Alguien hizo una foto mala, pero la única foto en el lugar y tiempo correcto es la mejor. Pero nosotros tenemos también la narración visual, las historias, algunos temas que necesitan ser contados. Los medios no pueden descansar sólo en el periodismo ciudadano. Hay muy buenos profesionales. Y ellos no sólo son buenos haciendo fotos, sino también editando su trabajo. Atrevidamente pregunté a algunos reputados fotógrafos sobre el proceso de editar su propio trabajo. He editado el trabajo de otros y para mí es más fácil, el problema es con tu propio trabajo.
Las respuestas muestran que el proceso de edición es realmente muy personal y que no hay recetas mágicas. Me sigue siendo muy interesante y provechoso conocer como otros editan.
Hemingway dijo que lo que él escribió es como la parte visible de un iceberg, ustedes saben, la parte más grande está bajo el agua y es invisible. Truman Capote se refirió sobre el trabajo que él hizo para A Sangre Fría: “Construí un roble y lo reduje a su semilla”. Creo que estas citas de la literatura son muy descriptivas de la sensación que tenemos cuando estamos editando nuestras propias fotos si hicimos nuestro trabajo bien.
Hubo algunas amables excusas de algunos de los fotógrafos a los que pregunté. Algunos están muy ocupados o tienen esta clase de preguntas todos los días (perdón por imponerlas otra vez en sus vidas). Unos pocos me contestaron el cuestionario y estoy muy muy agradecido porque sé que están brindando un montón de tiempo valioso a mí, un perfecto desconocido del resto del mundo. He pegado aquí abajo las preguntas y respuestas. Alguna no es punto por punto. Las fotos están linkeadas a los sitios web de los fotógrafos, así todos pueden aprender algo de ellos a través de las fotos en adición a sus respuestas. Pregunté mayormente a fotógrafos de revistas y agencias. Me hubiera gustado tener más respuestas de fotógrafos callejeros, protagonistas del mundo del arte o fotógrafos de periódicos. Pero primero están nuestras familias y el trabajo y este momento del año está lleno de ambos. Así que quizá pueda tener una segunda oportunidad con sus respuestas en el futuro ¿quién sabe?

Estas son mis preguntas

1- ¿Qué significa el proceso de edición para vos?
2- ¿Como encarás tu propio proceso de edición?
3- ¿Qué límites te impones para editar tu propio trabajo?
4- ¿Cuán importante es el tiempo durante el proceso de edición?
5- ¿Cuándo sentís que necesitás la opinión de otros?
6- ¿A cuánta gente (colegas, familia) pedís ayuda para hacer tu edición?
7- ¿Cuál es la parte más difícil al editar tu propio trabajo?
8- ¿Cómo mezclás las opiniones externas con las propias?
9- ¿Sabés cuando terminar tu edición?¿cuándo?
10- ¿Puede compartir el consejo más importante del proceso de edición?
11- Hay gente que investiga un tema y luego va a fotografiarlo. Y hay otra que primero toma las fotos y luego hace una edición de su trabajo ¿Piensa que hay diferencias entre estos dos métodos al momento de editar las fotos? ¿cuáles?

William Albert Allard

1- La edición debe ser un proceso de aprendizaje. Al sacar la foto que no es la mejor vos deberías aprender por qué.

2- Tengo expectativas para editar mi trabajo.

3- No me impongo otro límite para editar que eliminar las imágenes que simplemente no son buenas.

4- El tiempo es relativo. Si tengo mucho trabajo que editar es probable que me tome más tiempo pero no necesariamente. Si lo has hecho realmente bien mirando te puede llevar más tiempo decidirte por lo mejor de todo.

5- No pido opiniones.

6- No pido ayuda de otros.

7- Todo el proceso es importante. No hay una parte que sea mas o menos difícil.

8- No obtengo otras opiniones.

9- Mi edición termina cuando hago la selección final.

10- Aprende a ser tu crítico más difícil, no dependas de otras opiniones.

11- Por supuesto que hay una diferencia entre salir a realizar un tema que tenés en mente que partir de algo que ya fotografiaste. Son dos procesos diferentes.

Jodi Cobb

1- El proceso de edición es la segunda parte más importante del desarrollo de un proyecto fotográfico o de un encargo. Es la forma de crear una narración o historia de un montón de fotografías dispares. Es una labor tan creativa como la fotografía en sí misma. Es crucial que el fotógrafo muestre sólo su mejor trabajo. Y una edición apretada puede crear tensión, misterio, excitación y energía.

2- Edito en Lightroom y uso el sistema de estrellas. La primera selección (lo útil, en foco, bien compuesto, etc) tienen una estrella, luego la siguiente edición (desmalezar duplicados y elegir entre fotos parecidas) recibe dos estrellas. Le dos tres a las fotos que entregaría a un cliente para la selección final. 4 estrellas a las fotografías que van a parar a mi venta de stock o archivo. Y las cinco estrellas están reservadas para las fotos que son lo mejor de lo mejor, las que van a estar en portafolio permanente, y son las que uso para mi trabajo personal. Pero se hace más fácil volver atrás y chequear dos veces tu edición si seguís filtrando. E influye también en qué vas a usar las fotos. Luego hago diferentes catálogos para los diferentes usos que se pueden dar a los grupos de fotos.

3- Sin límites.

4- El tiempo es importante. La primera edición puede hacerse rápida e inmediatamente. Para la edición final, encuentro que mi edición se vuelve mejor cuanto más tiempo pasa desde que hice las fotos. Corta inmediatamente las reacciones emocionales y te deja reaccionar más a la imagen en sí misma que cuando la hiciste. Las mejores fotos tienden a distinguirse mejor.

5- Siempre necesito de otras opiniones. Creo que los fotógrafos no son siempre los mejores editores de su propio trabajo. Necesito ver como otra gente, especialmente editores de fotografía experimentados, reaccionan. Ellos vieron todo y son honestos y directos en sus opiniones. Amigos y familia son menos útiles para la edición en serio. Aunque es siempre agradable conocer lo que piensan. Sólo no basen sus decisiones profesionales en sus opiniones.

6- Seleccione a sus editores cuidadosamente. Tu familia te ama y amará a tus fotos también. A todas. Usualmente no es de mucha ayuda.

7- Las emociones son la variable más difícil durante la edición. Un día amo todas mis fotos, al día siguiente la odio a todas. Me involucro emocionalmente con mis sujetos, lo que es también difícil de separar.

8- Es fácil decir cuando la opinión de otra persona coincide con la tuya, o cuando respondés positivamente a esa opinión. Cuando sentís que ellos están equivocados, luego esas opiniones están equivocadas para vos. Pero si TODOS te dicen la misma cosa, es generalmente mejor atender esas opiniones, y vos deberías o abrazar o rechazar esa fotografía. Hay mucha subjetividad al editar y deberías encontrar a un editor con el que te guste trabajar, quien es honesto contigo y cuyo trabajo respetes y apruebes.

9- Yo suelo decir que uno nunca realmente termina un proyecto o historia, por desesperación en un punto lo abandonás. Pero si sentís que en tus fotos te estás repitiendo o sentís que tu creatividad está estancada o que el proyecto empieza a aburrirte, es tiempo de moverse. Algunas veces sólo necesitás un par de fotos, a veces docenas. El proyecto en sí mismo te lo dirá. Sigue tus instintos.

10- Escucha a otros, pero confía en ti mismo. Sé abierto a ideas y opiniones pero pon atención a la fuente.

11- Depende del proyecto y su uso ¿Es un encargo de alguien más o un proyecto personal? Vos tenés que dar a los clientes lo que necesitan y quieren, pero luego sorprenderlos con algo que ellos no esperaban. Si es un encargo, tanto comercial como editorial, debés investigar y buscar antes. Siempre necesitás saber lo que estás mirando o lo que estás buscando. Pero también debes dejar espacio para los accidentes. Si estás editando retrospectivamente o para un porfolio, es un criterio diferente. Podés agrupar tus fotos en la forma que quieras y de la forma que tengan sentido. Pero debe existir una linea de pensamiento, cierta cohesión. Puede ser cualquier cosa pero ayuda organizar las fotos de forma que lleve al espectador a través del libro o proyecto de forma que tenga sentido para él. Algunas veces es muy obvio, pero otras es bastante oscuro. No importa, es la fundación de algo que construís.

John Vink

1- Es una segunda visita esencial a la historia, revela los errores, las fallas, pereza y otras debilidades del fotógrafo. Es un período de clarificación.

2- Con gran placer e impaciencia, aunque la revelación de mis fallas y debilidades, de haber cometido errores, de haber sido perezoso pueden llevar a momentos depresivos.

3- No hay limites reales. El número de fotos en la edición final es lo único. Pero si estoy con suerte y conseguí una anormal proporción de buena fotos, no voy a tirarlas.

4- Edito bastante rápido, y ahora, con lo digital, tan rápido como posible después de las tomas. Me lleva 15 minutos ir a través de 150-300 fotos y elegir las 4 o 5 que sobresalen y son útiles. Rara vez tengo que ir atrás y revisar la edición. El proceso cambió un poco pero no mucho, entre editar digital y film, porque el principio básico se mantiene (ver 9). Lo que cambia es el tiempo (a veces meses con el film) entre disparar y editar. Cuando editaba film el retraso me permitía “construir” imágenes que yo pensaba había tomado. La desilusión de no encontrarlas en las hojas de contacto era muy grande y la siguiente depresión más grande. Quizá es por eso que soy un fotógrafo más feliz ahora con lo digital.

5- Nunca. Siempre estuve en decepcionado o descontento cuando otro editó mis fotos.

6- Ninguno.

7- Repetirme en los errores cometidos.

8- Eso es lo mejor de no tener opiniones externas. No tengo que mezclarlas, no tengo compromisos, excepto el propio entre forma y contenido.

9- Básicamente la edición es terminada de una vez. Puedo volver a editar si el uso va a ser para otra plataforma, por ejemplo cuando tengo que hacer un slideshow de una historia que fue concebida para otra cosa. Pero usualmente la primera edición que hago es lo bastante amplia para cubrir bastantes propósitos y luego cortarlas para usos más específicos (libro, revista, blog).

10- Ver si lo gráfico/composición en la foto funciona bien, si el ojo es llevado directamente a lo más importante de la foto y sólo luego chequeo si la foto es relevante para la historia. Sin embargo siempre tengo presente la historia en mi mente. Es realmente acerca de encontrar un balance entre forma (ser
desafiante, innovador, excitante, atractivo y legible) y contenido (ser relevante, pertinente y posiblemente claro).

11- Investigo algo antes de fotografiarlo. Pero no mucho, es realmente una investigación superficial. Supongo que soy mas del tipo que va con un idea general y construye la historia en el camino. La parte de descubrimiento es muy motivadora.

Rodrigo Abd

El proceso de edición es realmente importante para mí. Más ahora, que estoy volviéndome más viejo y con más experiencia. Solía editar al final del proyecto, pero ahora me siento más confortable editando a medida que voy tomando fotos. Creo una carpeta y empiezo a tirar fotos que siento pueden funcionar. Una gran carpeta, así básicamente trabajo con eso para la edición final. Para mí editar es importante porque puedo pensar en la narración de la historia. Y me encanta mostrar esa carpeta no sólo a fotógrafos sino a mi esposa, mis vecinos, amigos, especialistas, otros periodistas, etc. Es increíble la diferentes ideas que la gente tiene sobre tu trabajo o una imagen en particular. Me alimento de todas esas ideas, pero en el final tomo la última decisión, algunas veces en el último minuto antes de enviar el trabajo al escritorio de Associated Press.
El tiempo es importante, por eso miro esa carpeta tantas veces como pueda. Y necesitás tiempo para madurar las ideas más importantes que querés reflejar en tu trabajo. Es un proceso donde entendés más y más el desarrollo de la historia. También aprendés sobre qué es más importante para vos.
También, la mayoría de las veces, no llego a un lugar para revelar un proyecto fotográfico con una única idea de lo que está pasando ahí. Aprendo mientras tomo las fotos e interactúo con la gente. Casi siempre mi primera percepción del tema cambia un montón después de días o meses de desarrollada la historia.
Para mí, la parte más difícil es cuando tengo que sacar buenas fotos individuales que no encajan bien en la historia.
Nunca estoy 100% feliz cuando decido terminar una historia, siempre pienso que necesito más fotos para hacer una mejor edición. Pero trabajo par aun servicio de cable, AP, así que mis ediciones, por las fechas de entrega de las ediciones, son en algún modo afectadas o limitadas por el formato en que trabajo. En algún modo soy un animal raro dentro de la agencia, porque envío fotos de historias después de meses de trabajo en ellas, cuando la mayoría de mis colegas hacen historias de de dos o tres días y rápidamente las envían por el servicio de cables.
Creo que hay diferentes especies en lo que respecta a la ediciones.
Podés editar una historia que fue preconcebida desde el primer momento, aún antes de empezar el proceso fotográfico in situ. Pero uno también fotografía un montón en diferentes lugares y momentos y ellos, varios años después, te das cuenta que, inconscientemente, estuviste siguiendo una idea y empezás a editar un cuerpo de trabajo diferente. Esas ideas maduran con el tiempo.
No tengo recomendaciones realmente, soy un mal editor, porque tengo muy poco background, no leo much, no conozco mucho sobre pintura, música o artes visuales, no soy intelectualmente calificado para ser un buen editor.
A veces tengo un buena idea, una buena sensación sobre las cosas que son importantes de fotografiar en el lugar donde vivo.
Pero probablemente mi consejo es preguntar a mucha gente, con diferentes conocimientos, sobre mi trabajo. Y luego absorber las mejores ideas de ellos.
Ese es mi consejo.

Silence

(versión en español abajo)

The silence is important. Everybody needs some time of silence. During this hiatus other things are in developing. Is like go to sleep. Is necessary. I started to think about it because I had nothing to say from some time. And this happen to me in occasions. Albert Camus, in his Carnets (diaries), said that is easy write when we have something to say. Sometimes I have nothing to say. I have no photos. In the other side we know a lot of people that fill the silence because they are impatient, but we don’t remember nothing after a few minutes about what we are talking about. Nothing relevant. Sometimes happen that we are driven to silence because we are so busy doing a lot of plain things that carry us to a stupefy state. I believe that a blog have not to be like a newspaper, with a lot of things to publish everyday. We have the liberty to publish only when we have have something to say. The army of marketing people says that is necessary, that makes non sense to have a blog and not publish fervent comments every week or day. Someone include invented Twitter. I prefer to subscribe to blogs, thanks to god someone invented others ways to have the updates of the sites we like. And check time to time if I have something good to read. We are creating post as photographers are shooting pictures. A lot, without meaning, without sense, without beauty. If all this parameters are out, which is the point to do that? I am thinking about that at this moment. Silence is important. There are no reasons to act like we are afraid of it. I share down here a poem about this theme and a photo. I had more photos that can fit, but I hope that this photo moves too some tenderness. Ah, stay in touch, this issue drive me on editing photos. I hope have something to share in some days.

Silencio

El silencio es importante. Todos necesitan algún tiempo de silencio. Durante este hiato otras cosas están en desarrollo. Es como ir a dormir. Es necesario. Empecé a pensar sobre eso porque no tuve nada que decir desde hace algún tiempo. Y esto me pasa en ocasiones. Albert Camus, en sus Carnets (diarios), dice que es fácil escribir cuando tenemos algo que decir. Algunas veces no tengo nada que decir. No tengo fotos. Por otro lado conocemos un montón de gente que llena el silencio porque están impacientes, pero no recordamos nada después de unos minutos sobre lo que estábamos hablando. Nada relevante. Algunas veces pasa que somos llevados al silencio porque estamos tan ocupados haciendo un montón de cosas que nos llevan a un estado estupefacto. Creo que un blog no tiene que ser como un diario, con un montón de cosas que publicar todos los días. Tenemos la libertad de publicar sólo cuando tenemos algo que decir. El ejército de la gente de mercadotecnia dicen que es necesario, que no tiene sentido tener un blog y no publicar fervientes comentarios todas las semanas o días. Alguien incluso inventó el twitter. Prefiero suscribirme a los blogs, gracias a dios alguien inventó otras formas para tener actualizaciones de los sitios que nos gustan. Y chequear de vez en cuando si tenemos algo bueno que leer. Estamos creando posts como los fotógrafos disparan fotos. Muchas, sin significado, sin sentido, sin belleza. Si todos estos parámetros están fuera, cuál es el punto? Estoy pensando en eso en este momento. El silencio es importante. No hay razones para actuar como si le tuviéramos miedo. Comparto aquí un poema sobre este tema y un foto. Tengo mas fotos que pueden encajar, pero espero que esta foto mueva también alguna ternura. Ah, estén en contacto, este asunto me llevó a la edición de fotos. espero tener algo que compartir en algunos días.

For the first time I post first the spanish. I can’t translate with a passable rhythm the english version. Use the english version as a help to understand about what I am talking. Many thanks

“El silencio es el único refugio”, Una semana en Concord y el río Merrimack, Henry David Thoreau,

Sostenidos por el silencio
los gestos, miradas, sueños, roces
se vuelven sólidos, contundentes
atroces, estupefactos, feroces.
Un café frío, un foto en la mesa
un cigarrillo agónico en el cenicero
los ojos cerrados,
la respiración del cursor en el monitor
latiendo en el final de la frase,
el vacío del otro lado del teléfono,
la falta de excesos o el total de ellos,
todos, entre los puntos del silencio.
El último refugio de las pausas.
El necesario para dar significados
para descansar de nuestros compromisos,
para olfatear una salida
para entender un fin y encontrar un comienzo.
Silencio, con el peso de todas las ciudades vacías,
con los dedos cruzados, escucho el silencio.

“Silence is the universal refuge”, A Week on the Concord and Merrimack Rivers, Henry David Thoreau,

Supported by the silence
the gestures, glances, dreams, frictions
comes back solid, forceful
atrocious, stupefied, ferocious.
A cold coffee, a photo on the table
the agonies of a cigarette at the ash tray
the closed eyes,
the breath of the cursor in the monitor
pulsating at the end of the phrase,
the empty at the other side of the phone,
the lack of excess or the total of them,
all, between the points of the silence.
The last refuge of the pauses.
The necessary to give meanings
for rest on our compromises,
for smell an exit,
for understand one end and find a beginning.
Silence, with the weight of all the empty cities,
with the fingers crosses, I hear the silence.

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“Find beauty in everything you can; most people don’t find nothing enough beauty”. Letters to Theo, Vincent Van Gogh, London, January 1874.

Encontrar

“Encuentra bello todo lo que puedas; la mayoría no encuentra nada suficientemente bello”. Cartas a Theo, Vincent Van Gogh. Londres, enero de 1874.

Photography and Music

(traducción al español abajo)

Thelonious Monk, with crop marks drawn by the photographer, W. Eugene Smith. Jazz Loft Project

I knew a photographer, a girl, that said me: “I want to do photography like David Bowie (do music)”. I never forgot this comment. Obviously, we like Bowie, I think she wanted to tell that she liked experiment and do different kinds of photography, been original and touch hearts with her creation. The explain is mine and sure is short. We don’t talk about the meaning.
I encountered several times comments about photography and music. The last one was by Blake Andrews who did a comment in his post about photographs used in Albums covers, he have a proto theory that all photographers are serious audiophiles.
I find more relations between photography and music in the first stage, the roots. Then, like branches, there will be more relations that can be proved or not but relations at the end. By the way, Henri Cartier Bresson tried unsuccessfully to learn music in the beginning, before painting and photography.
Eugene Smith take with himself to cover the WWII almost equal weight of photography equipment with reproducing equipment of music. He liked to play at all volume some pieces of classic music when he worked in the darkroom and he taped a lot of jam sessions of Jazz in a loft where he lived. “Smith’s excessive behavior was not restricted to photography. He estimated, in various letters from the mid -1950s, that he owned 25.000 vinyl music records- of all kinds, but especially classical and jazz – and some 5.000 books (there were at least that many when his archive was deposited at the Center for Creative Photography at the University of Arizona in Tucson). Friends, neighbors and family members reported that he would listen to music all day and night, frequently in his darkroom, at thunderous volumes. In WWII, he took records and a portable phonograph to the frontlines, often flying from one ship to another to pic up boxes of his records that were spread around the South Pacific”. (W Eugene Smith 55, Phaidon, 2001).
Pierre Gassman was a photographer but he was more known as one of the masters printers famous by his prints of Cartier Bresson’s photos. He told that he interpreted the negative as some musician interpret the score.
-”Just imagine that if someone found an old piece of paper with a score written by Mozart which nobody had ever seen. What musician, real musician in the world would not take up this piece and try to play it. The score is written like a negative. It’s just an indication -what the composer had felt when he wrote it. That you must feel in your stomach. Some people have the stomach and some don’t. They may play it correctly- at an exhibit in Japan a computer was able to read and play sheet music; it was all correct but is wasn’t music; there was no feeling. In the darkroom the time of development is not a fantasy. But the exposure time, the choice of contrast filter used in this or that part of the picture -that comes from feeling.”
And to describe that, Gassman continued: “I listened to a wonderful interview with Artur Rubinstein when he told the story of a young pianist of 19 who asked him, ‘Don’t you think to become an interpreter of music you have to have trained since childhood for six to nine hours a day?’ He answered, ‘Techniques, you can always learn. Interpretations, you have to come to the world with’. The idea of interpretation you have to feel. It’s a question of feeling” (wonderful interview made by Mark Edward Harris to Edouard Boubat and Pierre Gassman and published in the Camera & Darkroom magazine, sep 1995).
The musician don’t play as he read it. The print as an interpretation of negative. I like this figure, strange for people of the digital era, what would be the equivalent now? I can’t imagine, I work pretty much with the analog mind very deep inside me.
Ansel Adams in 1930 had been training to become a concert pianist while considering a career as a photographer. He decided, after seeing the photographs by Paul Strand, that “the camera, not the piano, would shape [his] destiny.” His mother and aunt both pleaded, “Do not give up the piano! The camera cannot express the human soul!” To which Adams replied, “The camera cannot, but the photographer can.” (in “Black & White Magazine for Collector of Fine Photography” October 2000, Page: 76).
Ralph Gibson play the guitar and include his composed themes for some shows of his photos. “To be able to see in concrete terms what was created in a fraction of a second is a rare luxury. Even though fixed in time, a photograph evokes as much feeling as that which comes from music or dance”, said Gibson. “Whatever the mode – from the snapshot to the decisive moment to multi-media montage – the intent and purpose of photography is to render in visual terms feelings and experiences that often elude the ability of words to describe. In any case, the eyes have it, and the imagination will always soar farther than was expected”. (Creative Camera December 1972, p. 401)
The cineast and photographer Ralph Steiner said several years ago: “These days I think the composers of music influence me more than any photographers or visual creators. I see something exciting or lovely and think to myself: ‘If Papa Haydn or Wolfgang Amadeus or the red-headed Vivaldi were here with a camera, they’d snap a picture of what’s in front of me.’ So I take the picture for them”.
A side and odd comment about the Leica lovers that appears can love hear only the sound of the shutter (I have some heart about it but not enough to do this). Paal Audestad said that he was “winding. Clicking, Winding. Clicking, and so on. That’s what I have been doing the last couple of days. Sitting with the camera between my hands and listening to the sound of the shutter”.
In the wave of some exercises that was published in several blogs or photo groups, would be interesting that some people try to do photos some week like ACDC, another like Chet Baker, other with a Joy Division spirit or James Brown, and so on. One thing is true. There are not good photographers without rhythm.

Fotografía y Música

Conocí a una fotógrafa que me dijo: “Quiero hacer fotografía como David Bowie (hace música)”. Nunca olvidé ese comentario. Obviamente, nos gusta Bowie, creo que ella quiso decir que le gustaba experimentar y hacer diferentes clases de fotografía, siendo original y tocando corazones con su creación. La explicación es mía y seguro es corta. No hablamos sobre el significado.
Encontré varias veces comentarios sobre la fotografía y la música. El último fue de Blake Andrews, quien comentó in su post sobre fotografías usadas en las cubiertas de los discos, el tiene una proto teoría de que todos los fotógrafos son serios audiófilos.

Encuentro mas relaciones entre fotografía y música en un primer nivel, la raíz. Luego, como ramas, habrá más relacions que puedan ser probadas o no pero relaciones al fin. A propósito, Henri Cartier Bresson trató infructuosamente de aprender música en sus inicios, antes de la pintura y la fotografía.

Eugene Smith llevó consigo a cubrir la segunda guerra mundial casi el mismo peso de equipo fotográfico que de reproducción y discos de música. A él le gustaba escuchar a todo volumen algunos piezas de música clásica cuando trabajaba en el cuarto oscuro y grabó un montón de improvisaciones de jazz en un loft donde el vivió. “Las conductas excesivas de Smith no estaban restringidas a la fotografía. El estimaba, en varias cartas de mediados de los 50´s, que tenía 25 mil discos de vinilo de todas clases, pero especialmente de música clásica y jazz. Y alrededor de 5 mil libros (había más o menos esa cantidad cuando su archivo fue depositado en el Centro para la Fotografía Creativa de Arizona en Tucson). Amigos, vecinos y familia recuerdan que el escuchaba música todo el día y la noche, frecuentemente en su cuarto oscuro, a un volumen atronador. En la segunda guerra mundial, él llevó discos y un fonógrafo portátil al frente, frecuentemente volando de un barco a otro para llevar las cajas de sus grabaciones que fueron desparramadas alrededor de todo el Pacífico Sur”. (W Eugene Smith 55, Phaidon, 2001).

Pierre Gassman fue fotógrafo pero el fue más conocido como uno de los famosos maestros laboratoristas que copiaron fotos de Cartier Bresson. El contó que interpretaba al negativo como una partitura.
-”Sólo imagine que alguien encuentra una vieja partitura de Mozart por nadie vista. Qué músico, realmente músico en el mundo no querría tratar de tocarla. La partitura está escrita como un negativo. Es una indicación -lo que el compositor sentía cuando la escribió. Eso lo tenés que sentir en tu estómago. Alguna gente tienen el estómago y otros no. Ellos tienen que tocarla correctamente- en una exhibición en Japón una computadora era capaz de leer y tocar música; todo era correcto pero no era música; no había sentimiento. En el cuarto oscuro el tiempo de revelado no es fantasía. Pero el tiempo de exposición, la elección del filtro de contraste a usar en esta o aquella parte de la foto- eso viene del sentimiento”.
Y para describir esto, Gassman continuó: “Escuché una maravillosa entrevista con Artur Rubinstein cuando el contó una historia de un joven pianista de 19 años quien le preguntó: ‘¿No cree que para ser un intérprete de música uno debe entrenarse desde la niñez por seis o nueve horas por día?’. Y el respondió: ‘Técnica, siempre la podes aprender. Interpretación, tenés que venir al mundo con eso’. Tenés que sentir la idea de como interpretar. Es una cuestión de sentimiento¨ (de una maravillosa entrevista hecha por Mark Edward Harris a Edouard Boubat y Pierre Gassman, publicada en la revista Camera & Darkroom, sept
1995).
El músico no toca como lee la música. La copia como un interpretación del negativo. Me gusta esa figura, extraña para la gente de la era digital, ¿qué podría ser el equivalente ahora? No puedo imaginarlo, trabajo bastante con la mente análoga profundamente dentro mío.

Ansel Adams en 1930 había estado practicando para convertirse en concertista de piano mientras consideraba su carrera como fotógrafo. El decidió, después de ver fotografía de Paul Strand que “la cámara, no el piano, habrían de formar su destino”. Su madre y su tía rogaron que no dejara el piano, “la cámara no puede expresar el alma humana”. A lo que Adams respondió, “La cámara no, pero el fotógrafo puedo”. (en Black and White Magazine foro Collector of Fine Photography, octubre 2000, pag 76).

Ralph Gibson toca la guitarra e incluye algunas de sus composiciones para algunas muestras de sus fotos. “La capacidad de ver en términos concretos que fue creado en una fracción de segundo es un lujo raro. Aunque fijo en el tiempo, una fotografía evoca tanto sentimiento como los que provienen de la música o el baile”, dijo Gibson. “Cualquiera sea el modo -una instantánea del momento decisivo o un montaje multimedia – el intento y propósito de la fotografía es rendir en términos visuales sentimientos y experiencias que frecuentemente eluden la habilidad de las palabras para describir. En cualquier caso, los ojos lo tienen, y la imaginación siempre lo elevará más lejos de los esperado”. (Creative Camera December 1972, p. 401).

El cineasta y fotógrafo Ralph Steiner dijo varios años atrás: “estos días creo que los compositores de música me influyen más que cualquier fotógrafo o creador visual. Veo algo excitante o precioso y pienso para mí: ‘Si papá Haydn o Wolfgang Amadeus o el cabeza roja de Vivaldi estuvieran aquí con una cámara, ellos tomarían una foto de lo que está frente a mí’. Entonces tomo la foto por ellos”.

Un comentario al margen y extra;o sobre los amantes de la Leica que aparentemente pueden amar escuchar sólo el sonido del obturador (tengo algo de sentimiento sobre esto pero no lo suficiente). Paal Audestad dijo que el estuvo “rebobinando. Cliqueando, rebobinando. Cliqueando, y así. Eso es lo que estuve haciendo el último par de días. Sentado con la cámara entre mis manos y escuchando el sonido del obturador”.

En la onda de algunos ejercicios que fueron publicados varios blogs o grupos de fotos, sería interesante que alguna gente tratara de hacer fotos alguna semana como ACDC, otras como Chet Baker, otras con un espíritu a lo Joy Division o James Brown, y así. Una cosa es verdad. No hay buenos fotógrafos sin ritmo.

Do photography as we get a Nobel Prize

“To be a photographer implies a calling, a dedication, an ability to expose oneself in a way very few people have the capacity or courage to do. If one ever becomes a photographer, it is as if one has won the Nobel Prize.”, Rodney Smith thru his blog

Hacer fotografía como si consiguiéramos el Premio Nobel

“Ser fotógrafo implica un llamado, una dedicación, una habilidad para exponerse de una forma que muy pocas personas tienen la capacidad o el coraje de hacerlo. Si uno se transforma en fotógrafo, es como si hubieras ganado el Premio Nobel”, Rodney Smith en su blog

Nothing special

I am doing things that don’t have value to comment. Not time to think so much, not sufficient time to do what I like. In between I share some of my last shoots. Take care, thanks for stay around.

Nada en especial

Estoy haciendo cosas que no tienen valor para comentar. Sin tiempo para pensar mucho, sin tiempo suficiente para hacer lo que me gusta. Mientras, comparto uno de mis últimas fotos. Cuidensé, gracias por estar ahí.

Busy

A big hiatus was obligated by my job. To the appreciated followers I paste here a few links of what I was doing. You need to scroll down to found the photo galleries. La Nación newspaper don’t found very powerful the images (not only my images, all the images) so they erase the section for photos in the home page. I hope that they begin to appreciate images again to give us, the photographers and photography fans, the way to search only photos first at first hand. I will try to come back to the more poetry or music relationship with photos soon. Saludos

Un gran hiato fue obligado por mi trabajo. Para los apreciados seguidores pego aquí unos pocos links de lo que estuve haciendo. Necesitarán mover el cursor abajo para encontrar las fotogalerías. El diario La Nación no encuentra muy poderosas las imágenes (no sólo mis imágenes, todas las imágenes) así que borró la sección de fotos en la página de inicio. Espero que empiecen a apreciar las imágenes otra vez para darnos, a los fotógrafos y fanáticos de la fotografía, la forma de buscar sólo fotos de primera mano. Trataré de volver a más a la relación de la poesía y música con las fotos muy pronto. Saludos

Ulapes

Mineria

Chamame

Romeo y Julieta gobierno

Kirchner

What I am doing

With this post I start a new section to show why I am not making quickly updates in this blog. Because I am working. I don’t like to show all what I am doing but some edition of the best from time to time. Comments are welcome. After click on the link scroll down to search the gallery of 21 photos. Last content are very local to understand for foreigners so take it with a pinch of salt.

Qué estoy haciendo
Con este posteo empiezo un nueva sección para mostrar por qué no estoy publicando seguido en este blog. Porque estoy trabajando. No me gusta mostrar todo lo que hago sino una edición de lo mejor de vez en cuando. Los comentarios son bienvenidos. Después de hacer click en el link muevan el cursor hacia abajo para encontrar la galería de 21 fotos. El último contenido es muy local para ser entendido por extranjeros así que tomenlo con una pizca de sal.

The viewfinder as your world

(Abajo está la traducción en español)

Sid Grossman portrait made by David Vestal for Popular Photography magazine 1961

“You have an area -the viewfinder frame- and this is your world. But you need to know that this world is always changing, not only because (all the things within it are) changing in their size, in their volume, as they come forward to you and as they recede, but as they threaten to remove themselves completely. In the world there is a reality, but it is subject to the most abrupt disappearance, because I could turn (the viewfinder) away.”
“It is no use to you to have a viewfinder that can move around unless you understand why you move around. You are the one who creates this world. The whole world is a jumble unless you bring order into it, and the order is always whatever is significant to you”. This worlds of Sid Grossman (1913-1955) called my attention several years ago when i read them in an old issue of Popular Photography (1961), an article about him wrote by David Vestal who was a student of Grossman. I can’t find much about Sid Grossman thru the internet, only some brief biography and a few photos . But what pricked my curiosity was that appears that he was a very energetic teacher, that can generated extrapolated feelings between his students.
“It is important that you look and you don’t say, ‘Here is a table”, but that you say, ‘This is a particular kind of table; it is a table that I need; this is a table that I love’. It must be strong one way or another. (You must say) something that means that you are really involved with life, and you are saving something that people (who view your photographs) need to know. But if you are just photographing objects that happen to be around you are not different from a cheap commercial photographer who is making photographs for a catalog”, Grossman told in a class that was taped in 1950 by Ann Winters.
This comments appears simple but is something that is more easy to forget or learn than easy to apply.
Honestly, I don’t like the photos a found of Sid but I can feel he was involved in what he did. I think is a lot more easy teach something than give an example of oneself work. But at the end, the most important is say “something that means that you are really involved with life and that you are saving something that people need to know”.
He said too: “There is no such thing as perfection. There is no such thing as the final statement because everything is change. Everything is growth. To describe a work of art as perfect is to say, ‘I like it”". And in the midst of the adulation he had begun to receive from students, Grossman said: “As long as you are chained to a feeling that one person, in a given area of work in photography is your authority, the person you will accept as an authority, you have a very deep-seated problem, and I hope you understand that”.
I didn’t believe on study photography thru systems or programs but I believe that some people can share a more rich vision of this craft that can help us to understand why we are trying to do it. Is amazing to me that I still can make a kind of contact with this person after his dead.
Grossman wrote in his diary: “I am so afraid. I don’t want to be 50 before I get started”. He died of a heart attack at 42.
Full of faith, he explained to the students: “Everybody, no matter how crushed, no matter how beaten and how limited a life they have been forced into through circumstances… everyone has within him tremendous depth of sweetness, of generosity, and a tremendous instinct for growing and looking for the richest things in life. You will find this spark in the most brutalized people, and the people whose normal sensibilities have been almost destroyed”.
I believe that Sid would be a good company to take some drink and chat about life and photography. Maybe in another life. Cheers colleague. And thanks my friend.

El visor de tu cámara como tu mundo
“Tenés un área -el visor- y ese es tu mundo. Pero necesitas saber que ese mundo cambia todo el tiempo, no sólo porque todas las cosas que hay en él cambian en su tamaño, su volumen, mientras se adelantan o se alejan, sino también que amenazan con desaparecer. En el mundo hay una realidad pero puede desaparecer abruptamente porque puedo apuntar el visor hacia otro lado¨.
“Es inútil para vos tener un visor con el que mirar alrededor a menos que entiendas por qué te movés. Sos vos quien crea ese mundo que es un completo revoltijo. A menos que lo ordenes. Y lo que ordenás es lo que es significante para vos. Estas palabras de Sid Grossman (1913-1955) llamaron mi atención varios años atrás cuando las leí en un viejo ejemplar de Fotografía Popular (1961), un artículo sobre él escrito por David Vestal quien fue estudiante de Grossman. No puedo encontrar mucho sobre Sid Grossman a través de internet, solo alguna breve biografía y unas pocas fotos. Pero lo que picó mi curiosidad fue que parece que él era un maestro enérgico, que podía generar sentimientos extrapolados entre sus estudiantes.
“Es importante que veas y que no digas: aquí hay una mesa. Sino que digas: esta es una particular clase de mesa; es una mesa que necesito, es una mesa que amo. Debe ser fuerte de un modo u de otro. Debes decir algo que signifique que estás realmente involucrado con la vida y que estás salvando algo que la gente (quien verá tus fotos) necesita conocer. Pero si sólo estás fotografiando objetos alrededor no sos diferente de un fotógrafo comercial barato quien está haciendo fotografías para un catálogo”, dijo Grossman en una clase que fue grabada en 1950 por Ann Winters.
Estos comentarios parecen simples pero es algo que es más fácil de olvidar o aprender que fácil de aplicar.
Honestamente, a mí no me gustan las fotos que encontré de Sid pero siento que estaba involucrado en lo que hizo. Creo que es muchísimo más fácil enseñar algo que dar el ejemplo con el trabajo de uno mismo. Pero al final, lo mas importante es decir “algo que significa que vos estás realmente involucrado con la vida y que estás salvando algo que la gente necesita conocer”.
Él dijo también: “No existe la perfección. No hay una palabra final porque todo cambia. Todo es crecimiento. Para describir un trabajo de arte como perfecto basta decir: Me gusta”. Y en la mitad de una adulación que empezó a recibir de los estudiantes, Grossman dijo: “tan pronto como empezás a encadenarte al sentimiento que una persona en un área dada de trabajo de la fotografía es tu autoridad, la persona que aceptarás como una autoridad, vos tenés un problema profundamente arraigado, y espero que entiendas eso (sic)”.
Yo no creo en estudiar fotografía a través de sistemas o programas pero creo que algunas personas pueden compartir un rica visión de su arte que puede ayudarnos a entender por qué estamos haciendo esto. Es increíble para mi que aún puedo hacer un tipo de contacto con esta persona después de su muerte.
Grossman escribió en su diario: “Tengo tanto miedo. No quiero tener 50 antes de haber empezado”. Él murió de un ataque al corazón a los 42.
Lleno de fe, él explicó a los estudiantes: “Todos, no importa cuan estrujado, no importa cuan golpeado y cuan limitada haya sido la vida a la que los llevaron las circunstancias… todos, tienen dentro de sí una tremenda profundidad de dulzura, de generosidad, y un tremendo instinto por crecer y mirar hacia las cosas mas ricas de la vida. Vos podes encontrar esta chispa en la gente mas brutalizada, y la gente cuyas normales sensibilidades han sido casi destruidas”.
Creo que Sid hubiera sido un buena compañía para tomar un trago y charlar sobre la vida y la fotografía. Quizá en otra vida. A tu salud colega. Y gracias mi amigo.